Silvester Stallone vuelve a su personaje más popular y que le dio la fama: Rambo. Dirigida, guionizada, protagonizada y producida por Stallone (quién sino) esta cuarta entrega denominada en España “John Rambo” va directamente al grano. Después de un sinfín de guiones y borradores que se pudieron elegir el que se llevo al gato al agua es el que todos esperábamos.

Birmania, genocidios, guerras, torturas, etc. Rambo es contratado por un grupo de misioneros para que los lleven a Birmania, a un pueblo donde es necesaria su labor humanitaria, ya sea suministrando medicinas o llevando el cristianismo a la zona. Rambo al principio es reticente en llevarlos a tal peligrosa zona, pero una chica del grupo de misioneros llamada Sarah (protagonizada por Julie Benz y que podréis ver en la excelente serie Dexter) convence a nuestro héroe para que realice su labor.

Supongo que intuís por donde van los “tiros”: el grupo de misioneros es raptado y Rambo junto con un grupo de mercenarios irán a rescatarlos raudamente.
Así pues, después de este “argumento” uno se espera un soporífero intento de hacer resurgir a este personaje y que las arcas de Stallone se llenen. Pese a que es obvio esto último, uno ve que Stallone ha hecho lo posible para que sea un producto digno.

Y lo consigue dentro de sus limitaciones, la película tiene una estructura bien establecida sin rellenos y que mantiene la coherencia en todo momento. Las escenas de acción están muy bien planificadas, la verdad es que me sorprendieron. Concretamente las dos finales están hechas con buen oficio.

Además Stallone sabe a que público va dirigida y lo da todo, desde suprimir la mayor parte de diálogos a Rambo y así se reducen las típicas frases y memeces que puede decir (siendo pocas en esta película) y darnos un producto de acción totalmente entretenido. Pero eso sí, encarecidamente salvaje, brutal, gore y sin concesión alguna. Desde el principio se ven cuerpos reventados, cabezas cortadas y demás lindeces.

Porque ríete de Legolas lanzando flechas, de las batallas de las nenas de 300. Aquí Rambo es totalmente brutal, el Jason Voorhees de la guerra. Con lo cuál la violencia en el film es bastante extrema, nada más hay que ver la cruenta matanza que se da en el poblado para ver el rumbo que toma la película.

Pese a no ser ninguna obra maestra, ni buena, si que pasa a ser un digno film de acción, mucho mejor que otros tan laureados y bastante bien dirigida por Stallone (sobretodo en las escenas de acción, o sea el 90% del film), algo que no creía que diría nunca de esta película antes de verla. Además en ciertos momentos de esta oda a la bestialidad se ven ciertas influencias del cine de Sam Peckinpah (obviamente muy remotas) y su retrato de la violencia. Por cierto, muy interesante este estudio comparativo de todas las entregas, para que cuantifiquéis las salvajadas que veréis.

Después de una campaña de publicidad bien estudiada y estratégicamente enseñada por Internet nos llega a España “Cloverfield” bajo el ridículo título de “Monstruoso” ( y todavía más la historia de esta traducción). Dirigida por Matt Reeves pero bien apadrinada y mimada por J.J. Abrams (creador de la mítica serie Lost) el film nos sumerge en el subgénero tan arraigado en Japón de los monstruos gigantes que destrozan ciudades como el conocido Godzilla. Pero para ello han dado un cierto toque y cambio de vista a este subgénero queriendo dar un punto de vista más realista y menos fantástico en su trama, así pues la película utiliza el punto de vista subjetivo de una cámara y su narración se encadena a este soporte.

Al igual que ocurría en REC (es curioso las similitudes de estas dos películas en cuanto a recursos fílmicos y todos ellos puras coincidencias temporales) la cámara nos cuenta la acción en primera persona, intentando sumergirnos en la acción y que sintamos en nuestra propia piel la situación que se vive. Por lo tanto la cámara será una montaña rusa de movimientos zigzagueantes, pasando por todos los formatos de que dispone, desde el infrarrojo hasta la perdida de sonido para así acrecentar la tensión.

La historia se subordina a la situación desesperada de un grupo de jóvenes que viven el asedio sin concesión de un monstruo que destroza la ciudad. Al principio se nos cuentan las relaciones de los personajes principales y sus amores. Una vez presentados los personajes la historia se centrará en Rob, ya que intentará salvar del caos a su novia que se encuentra atrapada.

Lo principal en “Monstruoso” es crear tensión y caos en los personajes mediante la omnipresente criatura (que recuerda bastante a los de la mitología cosmológica de Lovecraft), pero también el hilo conductor mínimo o paralelo es la historia de amor de Rob. Después de los necesarios minutos para conocer los personajes (aunque mal hilados y reiterativos en su planificación) la acción viene de sopetón en una escena que intenta aflorar el 11-S de forma bastante evidente, para luego más tarde darnos otras escenas donde se muestra la criatura en todo su esplendor. Dichos momentos son lo mejor del film (como el metro o la aparición de los soldados), pero son tan pocos que hacen que la película pierda enteros. Además todas estas escenas pese a estar bien recreadas no aportan la tensión necesaria para ser un buen film, a ello no ayuda la nula interpretación de los actores, haciendo que sus historias sean poco creíbles.

Además de lo añadido, tampoco ayuda la poca imaginación o provecho sacado de la utilización de la cámara, mucho mejor utilizada en REC por poner un ejemplo. Aquí las secuencias se quedan generalmente vacías, dando la sensación de relleno y poca imaginación en crear situaciones impactantes. Generalmente veremos planos de la cámara corriendo enseñando el suelo de forma demasiado reiterativa ya que no saben que contar.

En definitiva “Monstruoso” es un film correcto pero que no aporta nada, se deja ver con agrado pero nada más, siendo lo más destacable las cortas escenas de acción. Por último comentar que al final de los créditos se oye un voz que despeja unas cuantas dudas para la secuela que se realizará, y espero que con más esmero y talento.

Glen Hansard es un tipo muy curioso, es un músico que empezó tocando en la calle y que siguió una trayectoria musical con el grupo The Frames. Hizo sus pinitos interpretativos en un papel en la película “The Commitments”. Y llegados el año 2006 no paro: saco un disco en solitario llamado “The Swell Season” junto con Marketa Irglova ; ellos mismos son los que interpretarían la película musical “Once” y en la vida real surgió el amor entre ellos ; y para finalizar sacan el último disco por ahora de  The Frames.

Tanto “The Swell Season” como la bso de “Once” y el último disco de The Frames llamado “The cost” comparten algunas canciones iguales (algunas más eléctricas o acústicas según el álbum). Sobra decir que recomiendo cada uno de ellos, y la película “Once” que sin ser ninguna maravilla la verdad es que seduce por  eso mismo y por sus desgarradoras y sentidas canciones.

Por todo ello, y aunque no me gustan mucho los premios y menos los Oscars (poco verás en este blog hablar sobre premios) y al ver la nominación a mejor canción en los Oscars a “Falling Slowly", no he tenido mayor acicate para poneros el vídeo de la canción nominada y alguno más. Porque su música lo vale y la película también.

 Falling Slowly

 Say it to me now

 When your mind’s made up

Crees que vas a ver una buena película de misterio, de asesinatos de difícil respuesta, que un asesino en serie da un nuevo punto de vista a las razones de porqué se mata y puede que incluso de sus razones sean innovadoras y sorprendentes por el supuesto debate intelectual que se va a desarrollar a continuación. Pero lo que compruebas es que se trata de un relato que según avanza el metraje cae por su propio peso, recayendo en sus propias contradicciones, lleno de humo que se desvanece hasta resolver un misterio demasiado obvio y liviano para lo que se esperaba de esta cinta.

Cuando finalizas el visionado de Los Crímenes de Oxford no sabes a qué atenerte. Si la película se basa sobre el razocinio y la capacidad de discurrir de un cruel profesor de matemáticas y filosofía (John Hurt) y su pupilo (Elijah Wood) para desenmascarar a un asesino en serie, lo cierto es que poco a poco avanza hacia otros derroteros, perdiéndose en su propio aire de suficiencia demostrando su engaño demasiado pronto, demasiado obvio.

Porque la inteligencia puede conducir a la locura, la investigación obsesiva a la degradación de incluso las mentes más brillantes, pero aquí ni hay locura, ni tensión, ni credibilidad por parte de los actores. Desde luego que Hurt es el que mejor desarrolla su personaje, porque desde luego es el más atractivo, pero Wood no nos convence como alumno aventajado en matemáticas, ni siquiera Watling aporta el aire de misterio que debería imprimir a su personaje. Por supuesto que se echa en falta mejor química entre los dos actores protagonistas a la hora de establecer su relación amorosa convertida en trío, pero Watling no se cree su personaje y Wood no se cree su relacion, así que todo en agua de borrajas o, mejor, en espaguetis sobre la cama.

Pero las matemáticas, los asesinatos, esas mentes complejas atraerán al público que esperará devanarse los sesos ante un misterio complejo, pero se trata de un cubo Rubik, una vez descubres la combinación para alinear todos los colores ya no puede sorprenderte. Aquí es demasiado artificial y salta a la vista. Una decepción.

Me declaro culpable de querer ir, a toda costa, al cine a ver esta película, me declaro culpable de pagar 6 € en tragarme y hacer tragar este bodrio inmundo que desmerece completamente a nuestros bichos espaciales favoritos, me declaro culpable de ser fan de Alien e intentar salvar esta película. Porque no se puede salvar desde ningún punto de vista.

Porque Alien vs Predator 2, también conocido como Alien vs Predator Requiem (Esperemos que lo de Requiem sea por cerrar una saga y que no la vuelvan a maltratar) no aporta nuevo. Es una película vacía que no va más allá de la anécdota, y seguramente será un taquillazo que nos deparará una tercera; y del plagio más descarado, homenajes le llaman ahora, de escenas ya vistas y de situaciones ya vividas por los fans… Tal vez puede que el taquillazo se deba porque existen todavía en las salas quien se sorprende que el abrazacaras no mate a sus víctimas, por favor que Alien es una de las criaturas míticas del cine. Su proceso reproductivo ha sido parodiado y deformado tanto en Alien 4 - qué bizarro eso de la Reina Alien embarazada y su engendro posterior enamorado de Ripley - como en esta nueva entrega. ¿Lo de las embarazadas inseminadas con varios Aliens es un homenaje o una broma de mal gusto?

¿Y qué tal la Guardia Nacional americana en el centro del pueblo siendo masacrada por los Aliens? Vaya si ya sabemos qué va a suceder, y la soldado y su hija en clara referencia a la mata-aliens Ripley, claro que si la soldado hubiese acabado con el Predalien ya hubiese sido una tomadura de pelo increíble. Pero aquí parece que se llevan las mixturas y no hay nada mejor que mezclar y remezclar para quedarse en nada, no aportar nada, ni historia ni guión sólo mamporros entre Predator y los distintos Aliens y quedarse en efectos visuales que no mejoran ni con mucho lo ya visto en la primera parte de Alien vs Predator. Y es que puestos a comparar la primera entrega es una obra de arte comparada con esta última cinta.

Es obvio que en Hollywood faltan ideas y se dedican a despachar un producto que no debería convencer ni en su primer visionado por parte de sus productores. Si queréis un consejo no tiréis el dinero, guardároslo y ved cine de verdad. Claro que aquellos que pagamos ya sabíamos qué ibamos a ver… ¡Pero tan malo!

La película se centra en la figura de Gengis Kan, pero en sus años como niño y poco después como esclavo para terminar el film en los comienzos de su conquista de medio mundo allá por comienzos del siglo XIII.

Así pues, “Mongol” nos relata como Temüjin (su nombre oficial antes de conocerse con el nombre de Gengis Kan), príncipe mongol de nacimiento, deberá pasar una niñez truncada y difícil hasta llegar a adquirir el poder y la importancia que tuvo, ya que unió a diferentes tribus de su etnia con el que gobernó y creo el gran imperio Mongol.
La historia se centra en su primera parte en su niñez, en su amor que seguirá perdurando en su edad adulta. Todo esta primera parte no explica nada nuevo en este tipo de films (venganza, amores, luchas, etc.) y lo más peculiar es ver como son las tribus y sus aspectos antropológicos que si bien no son exhaustivos están bien recreados.

Ya en la segunda parte del film, vemos como Temüjin es un esclavo y su personalidad adquiere una dureza que el paso de los años han curtido en él. Una vez liberado de su posición va reclutando y uniendo tribus mongoles para el imperio y conquista que tiene en mente. Y justo en este momento acaba el film, en la etapa más conocida y gloriosa de Gengis Kan.

Por lo tanto no os esperéis espectaculares batallas y aventuras, solo encontrareis dos y casi son escaramuzas. La última batalla se ve grandilocuente, pero el presupuesto se les va en los preparativos de la batalla y se acaba de forma abrupta por falta de efectos y dinero. Pero los pocos momentos de lucha están bien filmados y coreografiados, con gran detalle en la verosimilitud (los arcos, los caballos, vestuario, etc.).

Otro factor interesante es la bella fotografía, con paisajes, estepas, páramos, etc. muy bien recreados. Como la aventura es un factor secundario en el film, lo más importante es la figura de Temüjin y su relación con su pueblo. Quedando los aspectos sociales bien dibujados, pero a veces superficialmente,  y siendo bastante fiel a lo que se conoce de esos años de Gengis Kan. Adquiriendo así bastante importancia Jamuka, un “hermano jurado” que ayudo a Temüjin pero que pronto se convierten en rivales. O el amor de Temüjin llamada Borta y fundamental en la historia.

“Mongol” es un film correcto, fiel a los primeros años de la vida de Gengis Kan, aunque su síntesis peque a veces de superficial o de poca fuerza dramática, hecho que a veces impregna una frialdad artificial a la historia, llegando en algunos casos a resultar aburrida o muy formal. Y olvidaros de aventuras a doquier y batallas increíbles porque no las hay. El trabajo de los actores, por otra parte, está a la altura y sobre todo los magníficos paisajes rodados en China y Kazajstán. Además es la película seleccionada para representar Kazajstán en los Oscars de este año.

El poco conocido por estos lares Fredi M. Murer pero bastante reconocido en Suiza nos presenta su última película denominada “Vitus” (seleccionada en los oscars del 2007 como mejor película de habla no inglesa) donde los niños adquieren otra vez el papel protagonista.

La historia se centra en un niño de cinco años llamado Vitus, auténtico prodigio y superdotado. Su gran coeficiente intelectual le hace sobresalir sobre los demás, tiene un talento innato para tocar el piano y en una fiesta que dan sus padres los contertulios prodigan en alabanzas por su precoz audacia en el piano. Leo y Helen que son los padres pronto ven sus virtudes y le llevan al conservatorio para que pueda hacer carrera en la música. Pero además, por su nivel intelectual, en el colegio no da más que problemas y pronto es llevado a cursos superiores para que aprenda acorde a su nivel.

Poco a poco, Vitus pronto se vera marginado en la escuela, siendo visto como un bicho raro y sus padres nada más hacen que marcarle el camino que tiene que seguir, siendo explotado como un producto de la música y decayendo en él las frustraciones de sus padres. A los doce años Vitus se siente ya totalmente sin rumbo, sin capacidad de dirigir su vida, en definitiva sin libertad. El único oasis que encuentra es su abuelo paterno, un hombre en el cual confía y puede hablarle con franqueza, además de compartir aficiones como el vuelo.

El film es un conmovedor y agradable relato de un niño prodigio protagonizado por dos niños: Fabricio Borsani (el de 5 años) bastante más expresivo y cariñoso, y por Teo Gheorghiu (verdadero virtuoso del piano en la vida real) más introspectivo debido a sus problemas. Así “Vitus” se divide en dos partes: las dos etapas de la vida de Vitus. El abuelo esta protagonizado por el impresionante Bruno Ganz (conocido por el papel de Hitler de “El Hundimiento”) que realiza una interpretación maravillosa. Además la interacción de los dos actores (abuelo y Vitus) funciona a las mil maravillas. El resto del elenco también se encuentra a gran nivel.

“Vitus” además de mostrarnos el lado talentoso del niño, nos muestra una historia sobre la libertad de la infancia, sobre las relaciones generacionales y como está nos puede marcar para bien o para mal. Su último tercio es sosegado y sobretodo agradable, quizás demasiado, pero debido al tono general del film es el más coherente. Debido al buen hacer del director, de la historia y de los actores creo que es bastante recomendable su visionado, una historia de niño prodigio bien realizada, con diversas líneas argumentales bien equilibradas y que llega a conmover por momentos.