Keira Knightley parece abonada últimamente al cine romántico y de drama, después de su nominación al Oscar para Orgullo y Prejuicio, sin embargo no parece que su actuación haya vuelto a despuntar desde entonces. En Seda, dispone de un pequeño papel y no parece dispuesta a apostar por él, así que nos ofrece, de nuevo, una actuación correcta y discreta, resultado tal vez de una película pequeña y discreta.

Porque no vamos a encontrarnos grandes alardes en esta cinta dirigida por François Girard y que desde El Violín Rojo (1998) no se había situado tras las cámaras. Basada en la novela homónima y popular de Alessandro Baricco, cuya historia Novecento también fue llevada al cine, la película se convierte en un deambular contradictorio y plúmbeo en algunas ocasiones, desalentando al espectador, aunque lo que se buscaba realmente era lo onírico y bello.

Nos encontramos en la Francia de mediados del siglo XIX, la epidemia de la enfermedad de Pébrine, la enfermedad del gusano de seda que atacó a los huevos en los criaderos europeos a mediados de 1860, se extiende a ultramar, incluso los huevos de países tan lejanos como África y la India se ven infectados y todo el comercio europeo de seda parecía condenado a desaparecer. Baldablou confía la misión de viajar a Japón a Hervé Joncour (Michael Pitt), un oficial del ejército que se retira para esa misión, a la vez que contrae matrimonio con la profesora de escuela Hélène (Keira Knightley). Para llegar a su destino, debe atravesar Europa en trenes, hasta Kiev, y allí cruzará la estepa rusa con una caravana para alcanzar un barco que le lleva a Japón. Una vez en el país del Sol Naciente, encontrará un aliado que le ayuda a conseguir los huevos que necesita, pero también se sentirá atraído por una bella, silenciosa y enigmática mujer que le llevará de cabeza.

 El resultado de la película es desigual, tiene un arranque interesante, pero comienza a perder fuelle a mediados de la película, cuando su interés va decreciendo hasta que el espectador sólo quiere que finalice. Los personajes están perfilados, pero la pareja Pitt y Knigntley no consiguen conjugar confianza y cercanía, mientras que la enigmática mujer desprende correctamente su magnetismo sin pronunciar palabra. Una película correcta, pero que se hace tediosa finalmente.

Este año no estoy teniendo mucha suerte con las películas que veo. No hay ninguna que me convenza lo suficiente para poder recomendarla, aunque tampoco las carteleras ofrecen mucho. La sequía en cuanto a ideas es tremendamente alarmante y parece que Hollywood se decanta más por los Blockbuster que llenen las salas durante unas breves semanas que por los títulos inteligentes y que nos hagan reflexionar. Por supuesto que hay opciones muy buenas, que hay que rebuscarlas y lanzarse a por ellas, pero el nivel actual del cine es realmente alarmante en cuanto a calidad y contenidos.

Afortunadamente, nos llega Juno una película que desde una mirada tierna y comprometida nos conduce hacia una visión del embarazo adolescente. Obviamente, la trama es un poco forzada puesto que la protagonista, caracterizada por Ellen Page que pudimos ver en Hard Candy y en X-Men 3 (!), es mucho más madura y decidida que las adolescentes de 15 años actualmente. Por supuesto que Diablo Cody, ganadora del Oscar por esta historia, aporta una visión muy personal a la figura de Juno.

Hay que señalar que la historia, a pesar de caer en algunos tópicos y ser en algunos momentos un poco lenta y aburrida, nos ofrece una visión de conjunto que evoluciona a lo largo del metraje. Los personajes van adaptando sus puntos de vista según avanza el metraje, lo que permite que las decisiones, las duras decisiones que se deben de tomar, fluctúen, demostrando la verdadera naturaleza de cada cual.

Lo más curioso es que el personaje de Paulie Bleeker, el padre de la criatura, se mantenga en un muy segundo plano, siendo un convidado casi de piedra durante todo el embarazo y la película. Que Juno tenga que cargar con las decisiones, tiene 15 años, y que ni la madre de Bleeker sepa que la criatura que porta la niña sea de su hijo, es un tanto increíble teniendo presente cómo funcionan los rumores dentro de los pequeños pueblos. Claro que el personaje de Bleeker representa el típico adolescente temeroso y huidizo, por lo que se entiende este segundo plano, aunque no deja de ser paradigmático que los padres de Juno tampoco intervengan excesivamente en las decisiones de su hija a pesar de lo muy madura que pueda llegar a ser ésta.

Resumiendo, una película que se deja ver, inteligente en sus diálogos y atrevida en sus exposiciones, pero que no alcanza un nivel notable a pesar de sus buenos propósitos. Aún así, una de las mejores cintas que podemos ver en las cartelera durante este año.

Hace tiempo que quería comentar el doble dvd que sacó Sigur Rós, pero las palabras se quedan cortas para poder comentar su música. Ahora los propios Sigur Rós han puesto en YouTube el primer dvd que conforma Heima, de una hora y media o más aproximadamente de duración. Es pues buena excusa para dar la noticia y dejaros el concierto-documental para que podáis disfrutarlo.

Respecto a Heima recoge la gira que hicieron en el verano 2006 en distintas localidades de Islandia. Dichos conciertos eran mayormente realizados por sorpresa y avisados con pocas horas de antelación. Además los parajes donde se realizaron dan un punto de ambientación con momentos verdaderamente oníricos y espectaculares. En definitiva trece canciones, que en su segundo dvd están dispuestas de forma entera y alguna que otra sorpresa.

Por último, comentar que Sigur Rós están ultimando los preparativos para su nuevo disco, que supuestamente estará acabado para finales de primavera o comienzos del verano. Ah y como regalo final en este enlace podéis ver Ny Batteri que no se incluyo finalmente en Heima.

Hace un tiempo que me da la impresión que a Hollywood se le acaban las ideas. Tengo que confesar que, realmente, la película que quería ver era Pozos de ambición, pero acudiendo a una multisala de cine sólo proyectaban esa cinta a las 22.30h (Y nosotros sin cenar, además de que la película dura 3 horas) y 10.000 a.C estaba programada en la inmensa mayoría de salas. En fin, que ya que estás allí aprovechas y tratas de seleccionar lo posiblemente mejor que se ofrece, aunque hubiese visto Las Hermanas Bolena, pero finalmente no hubo consenso.

¿Qué tenemos en 10.000 a.C.? Una película discretísima que trata de combinar distintas épocas históricas sin tener el más mínimo criterio ni rigor. Así pues, nos encontramos con un poblado de hombres que no han pasado de la Edad de Piedra que son cazadores y recolectores, puesto que no conocen la agricultura, que se encuentran a la espera de la “última caza” y el advenimiento de una procefía. La procefía se cumple, por supuesto, y empieza la fiesta de una película que comienza a mezclarlo todo sin el menor miramiento tratando de imprimir puro entretenimiento.

Desgraciadamente, el viaje de estos hombres prehistóricos acaba en la Civilización Egipcia mientras las Grandes Pirámides se construyen a la vez y coordinadamente con la ayuda de mamuts (¡?) y con esclavos de toda condición, aunque la mayoría son de raza de color.

La historia trata de reflejar un viaje de iniciación, de madurez y de liderazgo de D’Leh, un miembro menospreciado por su pueblo a causa del abandono del poblado por parte de su padre. Sin embargo, el mejor amigo de su padre, Tic’Tic sabe que se fue precisamente para tratar de mejorar las condiciones de vida de su gente, pero en secreto ya que si no su pueblo le seguiría allí donde fuese.

Desgraciadamente para su pueblo D’Leh sólo está interesado en Evolet y sólo quiere alzarse con el liderazgo de éste, representado por una lanza blanca, para elegirla como esposa. Todo se complica cuando unos traficantes de esclavos asaltan el poblado y se la llevan tomando la resolución de tener que ir a por ella y a por el resto de la gente esclavizada.

Imagino que el Pulp es lo que tiene, así que se deja ver a pesar del despropósito del conjunto. Los efectos especiales están medianamente conseguidos, aunque es en los planos generales donde es mucho más obvio la falta de atino a la hora de coordinar todos los elementos que se tienen que mover a la vez. El final es un poco pasteloso, pero se deja ver.

El género fantástico (si excluimos la saga de Harry Potter) no es muy habitual en el cine actual, donde la ciencia ficción o el cine de terror dan más juego gracias a la sobreutilización de efectos especiales en detrimento de cualquier argumento racional y coherente. Reconozco que soy una gran amante de la ciencia ficción “con argumentos”, pero también de la fantasía que introduce un toque de irrealidad en la vida cotidiana. Y esa es la premisa de la que parte Más extraño que la ficción, de Marc Forster.

Harold Crick (Will Ferrell) -un inspector fiscal, con una vida solitaria y monótona, de rutinas establecidas y con ninguna expectativa de cambio-, de repente un día empieza a oir la voz de una mujer que, con un lenguaje culto y refinado, relata cada paso, cada pensamiento de su insignificante vida, hasta llegar al punto de vaticinar su muerte.

Lo que Harold Crick no sabe es que su vida es narrada por Karen Eiffel (Emma Thompson), una escritora cuya especialidad es acabar con la vida de sus protagonistas -gente corriente como Harold-, y que está intentando encontrar la muerta perfecta para el personaje de su novela, sin saber que éste es real.

El estilo “literario” que Harold Crick percibe en esa voz en su cabeza, le hace recurrir a la ayuda de un profesor de literatura (Dustin Hoffman), en vez de a la de un psiquiatra, intentando descubrir la trama argumental que desembocará en su muerte, para poder así impedirla.

Will Ferrell es un actor poco conocido en España (apenas recuerdo que haya hecho la comedia familiar Elf, que me creo incapaz de ver excepto bajo coacción), y quizá sea poco adecuado para el papel en su vertiente más romántica (sí, hay una chica, la actriz Maggie Gyllenhaal), pero consigue hacernos creíble su personaje insulso y al mismo tiempo entrañable.

Los secundarios son de lujo: Dustin Hoffman está genial interprentado al profesor de literatura menos sofisticado que haya visto jamás en el cine; y Emma Thompson, correcta como una escritora obsesionada con la muerte y con bloqueo de escritor.

Aunque, evidentemente, pasó sin pena ni gloria en su estreno (al menos nadie que conozca la ha oído nombrar), decir que me divertí con esta película, es poco. Creo que es una de las más ingeniosas que he visto, teniendo en cuenta que en realidad parte de las misma base argumental que cualquier otra: encontrar un sentido a tu vida, incluyendo el amor, por supuesto. Pero en esta ocasión, la vida del protagonista es al mismo tiempo el argumento de una novela, por lo que se produce un paralelismo entre la realidad y la literatura, teniendo en cuenta que ya todo está escrito.

Recomendación: No la oigáis en versión doblada o no seréis capaces de simpatizar con ninguno de los personajes femeninos de la película.

La serie de TV Héroes es, obviamente, deudora del cómic X-Men, incluyendo el cameo del dibujante Stan Lee como conductor del autobús que recoge a Hiro en su separación de Ando cuando éste decide que el camino que ha de seguir es solo. Pero aquí los héroes retratados en papel son mucho más humanos y están un poco más solos que en los personajes que se llevaron a la gran pantalla y, por supuesto, tienen menos medios económicos.

En la serie, nos encontramos con personajes que desean sobre cualquier cosa ser héroes para destacarse sobre una sociedad alineada (Hiro), personas que quieren ayudar a otras personas en busca del reconocimiento familiar (Peter), la adolescente que busca su verdadera naturaleza y su pasado (Claire), la persona que no acaba de aceptar quién es y de dónde viene (Niki) o simplemente el completamente inadaptado que sólo desea acumular poder ante una sociedad que le rechaza en busca de venganza. Cada uno de los personajes aparece retratado y con el suficiente fundamento para que cada espectador escoja su favorito, cada uno con sus miedos, necesidades y dudas y ante ello se enfrenta a sus poderes desde la aceptación, el aprendizaje o el simple rechazo.

Sobre el argumento, decir que los inicios son un tanto titubeantes como si los guionistas opinasen que el producto que tienen entre manos no pudiese superar el favor del público a pesar de que lo consiguió alentando el fenómeno fan. Sin embargo, esa falta de fe se traslada a una falta de argumento pasados las tres cuartas partes de la serie, entrando en una deriva que no parece favorecer en nada su desenlace. El objetivo de “Salvar a la animadora, salvar el mundo” se desdibuja dejando a los propios protagonistas sorprendidos por algo que esperaban que tuviesen un significado más profundo. El resultado es de perplejidad.

Por supuesto que la serie se deja cortejar por los tópicos. Una organización secreta y despiadada gobernada por una persona anciana que no es lo que aparenta, que si la tuviésemos enfrente lo último que opinariamos de ella es precisamente que es un tipo sin escrúpulos, pero así nos deja. No podemos olvidar la traición que la organización sufre por alguien que hasta ese momento había desarrollado sus funciones sin ningún contratiempo pero que finalmente lo cuestiona todo.

Desgraciadamente, a pesar de la buena tónica general de toda la temporada, el desenlace es apresurado e irreflexivo como si para ello no hubiese sido necesario el instaurar tanta tensión argumental que no se deja ir más allá de un enfrentamiento puntual resuelto de forma atolondrada y sin pulso dejando un mal sabor de boca de brocha gorda que tal vez no se mereciese.

En cualquier caso, probaremos suerte con la segunda.

Joel y Ethan Coen disponen de una filmografía bastante peculiar, arrolladora y donde los personajes caricaturescos, sublimes, dantescos e infernales pasean de forma peculiar por cada una de sus películas. Aunque últimamente habían perdido un ápice de la calidad de sus mejores películas. Ahora vuelven con “No es país para viejos” una adaptación al celuloide de la novela de Cormac McCarthy, autor que últimamente está en la boca de todos y no es para menos. Cormac es un escritor con muchas cualidades y en plena forma, de él también veremos otras adaptaciones al cine como “La carretera” o “Meridiano de sangre”.

Pero el film que nos ocupa ahora marca para los Coen un punto de inflexión, una renovación, una reinvención de algunas de sus particularidades artísticas. Las trazas de intertextualidad, de metalenguaje del cine que usan adecuadamente están bastante relegadas aquí. Sus formas de plasmar personajes excesivos, llenos de humor ácido o negro (como en Fargo) dejan lugar a unos personajes llenos de sobriedad, áridos, ajenos a cualquier juego referencial. Así pues, este cambio les ha venido muy bien, se han ceñido a un material ajeno para poder dar un cambio a su carrera y superarse a si mismos.

La historia entra de lleno en el subgénero de las road-movies, nos encontramos en Texas y un hombre llamado Moss (Josh Brolin) encuentra por accidente en el desierto un maletín con dinero. Pero esa sustancial suma de riqueza es buscada por diversa gente muy peligrosa, desde los narcotraficantes que lo han perdido, hasta un peligroso asesino llamado Chigurh (del que hablaremos más adelante e interpretado por Javier Bardem). Por lo tanto la historia gira en torno a Moss y su complicada huida con el dinero. Poco a poco se irá produciendo un duelo entre Chigurh y Moss de proporciones épicas, pesadillescas. Las consecuencias de esta descarnada persecución se deja notar por donde pasan con diversas víctimas.
Y un sheriff llamado Ed (Tommy Lee Jones) no hace más que llegar tarde a las escenas donde se han producido la acción. Llegando a  verse impotente por como cambian las cosas, los valores que mueven al mundo y  que deja de comprender.

Todo en “No es país para viejos” esta hábilmente construido, casi milimétricamente. Y como no, uno de los personajes más importantes es el propio paisaje, de una fisicidad patente en todo el metraje. Desde las panorámicas del desierto, ya sea en ese sol árido o frente una luna fría e impersonal hasta los moteles que iremos viendo. Pero además es tan palpable en los personajes como en sus emociones. Muchas de las escenas de tensión o de la lucha entre los protagonistas son mudas, dando protagonismo a los sonidos, los tempos y como digo esa claustrofóbica y patente fisicidad, llegando a unirse el entorno con los protagonistas. Y esto es algo que los Coen manejan de forma magistral.

Aparte tenemos a un magnifico asesino interpretado por Javier Bardem. Este fantasma implacable denominado Chigurh es otro de los elementos más acertados de la película. Porque es casi inhumano en toda la historia, la gente no sabe de donde es y cuales son sus complejas motivaciones. Como dice el sheriff, no es más que un fantasma, un ser que personifica la indiferencia del mundo, de la vida. “Las cosas de la vida no esperan por ti, eso es vanidad”, una vanidad que hace mella en el protagonista e incluso en el propio Chigurh (la escena del coche final), dándonos a entender que este mundo es cruel y sin concesiones, caprichoso hasta el extremo que no nos damos cuenta.

Otro apunte interesante es un hecho que sucede en el último tercio del film, algo atípico en el cine y que supongo que esta en el libro, pero que no dispongo aquí para no destrozar el argumento. Tan solo un pequeño apunte, desde las magnificas escenas de acción, como las conversaciones superficiales se encauzan hacia una forma de explicar el tema que subyace en el film. Algo que se aplica en el humor que se arrastra en muchas de sus escenas. Pero la principal es la aplastante aridez de la vida, de su poca compasión, de los caprichos sin motivación de ella (magnificamente recreada en el juego de la moneda, o en la conversación intrascendental de la piscina, que para nada es gratuita y entronca con la siguiente escena dándole un aplastante significado) y de cómo la vida gira de forma dura y que pese al monólogo final del sheriff dando un poco de esperanza, no deja de saber que esto no es país para viejos.

Los Coen han cogido un buen rumbo con este film, todos los actores están en su salsa, realizando Bardem un papel portentoso. Toda su trama esta llena de magníficas escenas de tensión, siendo todo un acierto la utilización de un lenguaje físico palpable. O los momentos de humor soterrados así como la dureza de muchos de sus argumentos. En definitiva, que la apuesta les ha salido redonda.