El dicho asevera: "La realidad siempre supera la ficción". Éste es un gran ejemplo. La recreación de los hechos del fatídico 11 de septiembre de 2001 se reúnen en esta película de una forma magnífica para ofrecernos un producto de un gran impacto visual y emocional que no va a dejar indiferente a nadie.

En United 93, no hay protagonistas principales, es una película coral que muestra las miserias y las grandezas de aquel día que todos recordamos. Se inicia con el momento de rezo y reflexión de los terroristas islámicos que van abordar y secuestrar el único vuelo que no llegó a alcanzar su objetivo mostrando escenas completamente normales. Por ejemplo, gente que espera haciendo cola en los puntos de embarque, las conversaciones cruzadas que se tienen entonces, los controles de seguridad, el embarque de los aviones. Se nos muestra un día normal hasta que todo comienza a cambiar.

En algunos aviones comerciales que sobrevuelan Boston y Nueva York, comienzan a escucharse peleas dentro de las cabinas. Al principio los controladores se muestran un tanto desconcertados, al fin y al cabo, hacía 20 años que no se secuestraba un avión en Estados Unidos, hasta que llegado a cierto punto los aviones sospechosos de haber sido secuestrados comienzan a desaparecer de los radares.

En aquel momento, 4.200 aviones sobrevuelan el espacio aéreo estadounidense, todos deberán tomar tierra, mientras el Presidente de los Estados Unidos se apresura a refugiarse, mientras que los militares andan más desconcertados que otra cosa sin saber exactamente qué hacer hasta que alguien de las altas esferas se lo indique.

La película se ha realizado con mucho respeto hacia los ocupantes del avión United 93, se ha nutrido de conversaciones reales que se grabaron durante aquel día y que desgraciadamente, por razones obvias, en el doblaje al castellano se han perdido. Tal vez hubiese sido aconsejable haber acudido a la versión original por una vez para escuchar el documento sonoro que representan las voces de aquel día. Por otro lado, el utilizar caras desconocidas a la hora de dar vida a los principales personajes da un punto de credibilidad a una historia que va en crescendo según avanza el metraje.

Las dudas y los miedos de aquel día nos van envolviendo hasta descubrir horrorizados que aquellos momentos fueron realmente trágicos y dramáticos, pero que, ante todo, tuvieron su momento de grandeza. Si en algún momento de la proyección oye gritos a los lados de su butaca no se espante, sus acompañantes en la proyección están sufriendo un acelerón de adrenalina mientras descubren horrorizados las difíciles situaciones que se dieron en aquel avion. Esta película, aunque algunos consideren que no debía haberse rodado tan pronto, nos acerca a los hechos y a las incógnitas de aquel día de una forma magistral y que recibirá como si hubiese recibido una bofetada. No se la pierda.

Dentro de la línea de pocas ideas que sacude a la industria estadounidense, los biopics son un elemento muy socorrido para tratar de atraer a los espectadores a las salas y seguramente tendremos muchos más en breve. En esta ocasión, le toca al complejo Johnny Cash y creo que hay rumores de uno de Bob Dylan, pero en esto yo veo un grave problema ¿cómo hacer una película de Dios sin reducirle a la Humanidad?

Porque Cash también se queda un tanto reducido a lo más obvio en En la cuerda floja para que quede todo bien mascadito para las masas. De esta forma, parece ser más una persona irremediablemente enamorada por un amor platónico, completamente traumatizada por la muerte de su hermano Jack y con una relación difícil con su figura paterna que por un ser tremendamente complejo y con muchas aristas. La música parece situarse en un muy segundo plano, mientras que en su vida desfilan las mujeres y las drogadicciones, además de su fracaso en su primer matrimonio por una mujer que le pedía algo que no podía darle, etc. ¿Dónde quedan las relaciones con su grupo y el resto de los artistas de sus giras (Especialmente Elvis Presley o Jerry Lee Lewis)? Al final, todo se encauza hacia su relación tormentosa con la también cantante June Carter que le rechaza casi siempre.

Al menos, algo que es de agradecer, utilizan la música de la época ya que últimamente se están realizando películas sobre músicos sin que se permita el uso de sus creaciones con lo que queda un producto irregular. Aquí, Joaquin Phoenix canta con su voz emulando a la de Cash con gran acierto, aunque suele poner una cara un tanto tiesa, nos hace creer en su personaje. Mientras que Reese Winterspoon, ganadora de un oscar como actriz principal este año gracias a su interpretación en esta cinta, parece estar bastante cómoda con su papel.

Lo bueno de estas películas es que nos invitan a acercarnos a sus personajes aunque sea de una forma muy somera. Ésta al menos nos despierta cierto interés, por lo que no dudaré en acercarme un poco a la música de Cash y a su figura.

Ya no te llevé rosas y no me sentí culpable. Te busqué de nuevo entre las diversas filas, pero hoy ya no estaba solo y no me esforcé. Subida a una escala había una muchacha que sollozaba. Las lágrimas que corrían por sus mejillas las recogía con sus manos que las trasladaban a su boca para mandar un beso a un joven rostro que inmutable sonreía a la vida desde una fría fotografía de porcelana. Puede que cuatro meses no sean suficientes, es posible que sean dos años demasiados. Traté de hallarte de nuevo consiguiéndolo, no te habías ido aún, no creo que te vayas. Pero descubrí algo nuevo, aquella misma sonrisa en tu cara y acompañé a aquella mujer en el dolor. Aunque mis lágrimas estaban ya vacías de no sentir tristeza.

A estas alturas, es evidente que los espectadores están divididos. Se constituyen dos bloques claramente diferenciados: Los hay que les ha encantado la película, mientras que hay otros a los que no les parece nada del otro mundo. Para ahorrar disertaciones varias, os adelanto que yo soy de estos últimos, aunque era perfectamente consciente a lo que me enfrantaba cuando fui a verla.

Porque obviamente, Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto, se trata de un producto de la factoría Disney, lo que quiere decir que se trata de entretenimiento para toda la familia y, por lo tanto, una película muy blanca. Visto lo visto, no hay duda que lo es y no sorprende, pero mis razones a esgrimir sobre la superior primera parte son:

1. El poco carisma de los piratas malditos. Es posible que el Capitán pulpo, Davy Jones, junto con su Kraken sean lo más de lo más en efectos especiales, pero la necesidad de acudir a otros, el bichejo, demuestra su punto débil. Si no hay pulpo, no hay malos puesto que todos se les escapan. Por otro lado, es evidente el guiño a Julio Verne y a sus 20.000 leguas de viaje submarino. Hay pulpo gigante y el capitán toca el órgano, pero desde luego que el Capitán Barbossa tenía un mayor carisma y más mala leche (¿Por qué será que vuelve a reaparecer brevemente en esta película?), también su tripulación puesto que la de Jones está un tanto desdibujada debajo de tanto maquillaje y efecto digital.

2. Los actores principales no hacen un gran trabajo. Johnny Depp repite su actuación redoblando esfuerzos y exagerando aún más su capitán Jack Sparrow, pero si bien en la primera parte el capitán parecía saber lo que hacía, en esta ocasión, se le retrata más torpemente y más como un cobarde que a un pirata que los suyos, su tripulación principalmente, quieran seguir (¿Ir hasta el final del mundo con él? ¡No me hagan reír!). Por otro lado, las actuaciones de Orlando Bloom como Will Turner y Keira Knightley como Elizabeth Swann son insuficientes. Primero porque los dos actores no disponen de química lo que no hace creíble su profunda historia de amor y, segundo, porque ambos siguen poniendo la misma cara de palo. Es cierto, Bloom mantiene su actuación de elfo sin transmitir nada más, mientras que Knightley parece contentarse con entreabrir su boca durante toda la película. Lo peor de todo es que sabiendo que sabe actuar, nominación al oscar ¿recuerdan?, se le ofrecen ocasiones para sobreactuar que cumple torpemente, especialmente en la pelea de espadas a tres bandas, de las que no sale bien parada.

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Christopher Fowler es un escritor británico poco conocido en España, pero con un amplio bagaje novelístico en casi todos los géneros, desde la fantasía oscura con golpes de humor hasta la novela detectivesca en la que últimamente se recrea.
Pero además, es actor y guionista de películas (principalmente de adaptaciones de relatos cortos suyos) y prepara una adaptación de su novela Roofworld. Así que su faceta artística no se detiene en un estilo único.

Ahora llega a España la primera novela de la serie detectivesca creada por Fowler (existen tres más, la última de ellas escrita este mismo año titulada “Ten Second Staircase”), en ella sus principales protagonistas son Bryant y May.

Bryant es el jefe de la sección de policía creada en Londres para casos “diferentes”, sus pies casi nunca están en la tierra, es despistado y recurre generalmente a brujas y espiritistas. Pero para poner la nota de sentido común esta May, un hombre un poco más joven que Bryant y que entra en la sección especial para ayudar a este en los casos que se avecinan. Los dos hombres entablan una gran amistad y se complementan maravillosamente.

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Poseidón es el remake de la película de 1972 “La aventura del Poseidón”. Dirigida por un Wolfgang Petersen (que dirigirá la esperada adaptación al cine de "El juego de Ender") que se toma la película sin grandes pretensiones, pero con oficio efectista y directo. Prescinde del lado dramático en los personajes, donde no sabremos de sus personalidades ni de sus relaciones, salvo lo típico de carácter superficial para poder distinguirlos.

Pero ete aquí, que aún así, la película logra mantener el tipo, ya sea por su ajustada duración o por ir directo al género de catástrofes y acción para que pasemos un rato entretenido.
Wolfgang nos deja unos quince minutos al principio de la película para presentar el barco y los protagonistas, para acto seguido empezar con la catástrofe –en este caso una ola gigante- y no dejar tregua hasta el final del metraje.

Los personajes actúan sin grandes estridencias y sus actores no precisan de grandes interpretaciones, tan solo sobrevivir a tan altas cotas de penurias.
Es de agradecer que Wolfgang no nos empastele la clásica película de catástrofes, si la situación es mala lo es con todas sus consecuencias: cuerpos muertos sin compasión, explosiones sin tregua y más muertes por doquier.
Olvidaros del dramatismo compasivo, aquí lo que prima es la supervivencia sin transición alguna (algo bastante claro en la escena del ascensor). Tanto es así que a mitad de película ya han muerto más del 98 por ciento de las personas que habitaban el barco, quedando solo el reducido grupo protagonista.

Kurt Russell capitanea este grupo y deberán luchar contra reloj para poder salir del barco. Así pues escenas de acción rodadas con oficio, que pueden pecar de repetición (a veces parece un videojuego donde deben superar piso por piso hasta llegar a la meta) por su similitud, pero debido a la corta duración de la película y su puesta en escena se hacen entretenidas.

Y nada más encontrareis en Poseidón, tan solo una película para pasar el rato que da lo que ofrece sin tregua y con el suficiente entretenimiento, eso si, menor.

Y volvemos a encontrarnos con la enésima adaptación de un videojuego al cine. Esta vez dirigida por Christophe Gans, autor de “El pacto de los lobos” o “Crying Freeman”, y visto su historial era de esperar cuales serían las características de su nueva película, es decir, nulo argumento y pasajes muy aburridos, pero con una puesta en escena de decorados bastante digna.

El argumento gira en torno a una madre llamada Rose (Radha Michell) que ve como su hija sufre pesadillas y no para de mencionar un pueblo llamado Silent Hill. Así pues, ni corta ni perezosa Rose se lleva a la niña en busca de dicho pueblo y de paso ver si mejora la enfermedad psicológica de su hija, todo esto por supuesto, sin avisar a su marido por si no la dejaba realizar el dichoso viaje.
Cuando va acercándose a su meta, la gente deniega ayudar a Rose en demasié; que si es un pueblo fantasma, que no se acerque a tan maldito lugar, etc.
Pero una vez llega al pueblo, sufre un accidente con el coche y Rose al despertar ve que su hija a desaparecido, por lo tanto, va histérica en pos de su encuentro.

Así comienza la historia, que nos llevará a un Silent Hill verdaderamente logrado y pesallidesco, con una primera hora entretenida, enseñándonos los enemig… perdón digo los monstruos que moran el pueblo.
Visitaremos diversos escenarios del videojuego, veremos a personajes terroríficos y no tan malvados…
En definitiva que se vuelve a caer en el error de pasar un videojuego al cine, y no una adaptación coherente al lenguaje del cine.

Por mucho que enseñes los menesteres y atrezzos del juego, cual escaparate visual así porque sí, y por muy bien hechos que estén. Si no le das una entidad narrativa, un ritmo de tensión y en definitiva, buen cine. Si no aportas unas mínimas líneas de dialogo inspiradas. Si hasta los propios actores no se creen lo que están rodando…

Pues se queda en lo que podréis ver, una película vacía, sin ritmo alguno, sin sustos ni suspense, y una historia para olvidar de lo mala e incoherente que es (basta decir que el pueblo ardió y bajo el suelo aún arde el carbón o lo que sea de tan magna catástrofe, pero el pueblo real todavía sigue en pie y sus edificios intactos ¿?. Y esto es una incoherencia superficial, la lástima es que hay más y no tan superficiales). Una critica a la religión bastante mal realizada y repetida hasta la saciedad, una historia de venganzas más vista que el cine de terror comercial oriental, y paro ya.

Eso si, decorados magníficos, el señor pirámide esta muy logrado tanto como su nulo poder de producir terror, al igual que el hombre del servicio.

Y poco más se puede pedir, algún día alguien dirigirá una película sobre un videojuego, pero ese día tardará muchhoooo tiempo.
Bueno por lo menos se deja ver y cuando dirijan la segunda parte espero que atinen mejor.