F. Javier Gutiérrez, después de dos cortometrajes que apuntan buenas maneras, nos presenta su opera prima en el largometraje con “3 días”. La historia se inicia con la noticia de la devastación del mundo dentro de tres días por medio de un meteorito que se estrellara sin remisión y sin que las autoridades puedan hacer nada para remediarlo.
En el pueblo de La Laguna reciben la noticia estupefactos y tras el caos inicial la historia se centra en dos personas del pueblo: Alex y su madre. Los dos se enfrentarán a un pasado cuyo denominador común es Lucio, una persona aterradora e implacable que escapa de la cárcel buscando una venganza ansiada tiempo atrás.

Así pues y usando como telón de fondo ese destino apocalíptico que depara a toda la humanidad se descubre como principal eje argumental otro destino implacable pero a escala más individual: la que viven Alex y sus seres queridos. El fílm esta rodado con buen oficio, con una fotografía bien resuelta que hace que sintamos ese asfixiante calor de una Andalucía veraniega de, supongo, finales de los años 70.
Todos los personajes están a la altura interpretativa y sorprende un comedido Víctor Clavijo y la naturalidad del niño menor, en definitiva tanto la interpretación como el buen ritmo narrativo mantiene la atención en el espectador en las vicisitudes cruentas que se van sucediendo.

La ciencia ficción que se usa de telón global nos sumerge en una persecución a vida a muerte dejando paso al thriller más crepuscular y tradicionalista de las películas del oeste con esos parajes desérticos y calurosos y unos antihéroes sufridores. En definitiva “3 días” es una buena película de género y un buen comienzo de Gutiérrez, aunque bien es verdad que en su tramo central la película sufre algún mínimo desequilibrio en su ritmo y la fuerza emocional del argumento no esta del todo bien compensada, amén de que tampoco tiene un argumento de los que hacen historia. Pese a ello, totalmente recomendada.

 Por último destacar que no es el renacer del cine de género en España como algunas corrientes proclaman a los cuatro vientos, ya se inicio largo tiempo atrás y si bien caen con cuenta gotas hay una gran caterva de ellas; desde “Tesis” hasta los films de Balagueró o películas como “La habitación de Fermat”, “La hora fría” o “Bosque de sombras” película que coincide en diversos puntos con “3 días” y que me parece mucho más equilibrada y mejor resuelta. Así que “3 días” no es la renovación generacional que muchos plantean ni el paradigma fresco de la cartelera española, pero si que es un buen film que hay que juzgar en su justa medida, entretenido, bien realizado y con calidad, y eso si que no es baladí.
 

Joel y Ethan Coen disponen de una filmografía bastante peculiar, arrolladora y donde los personajes caricaturescos, sublimes, dantescos e infernales pasean de forma peculiar por cada una de sus películas. Aunque últimamente habían perdido un ápice de la calidad de sus mejores películas. Ahora vuelven con “No es país para viejos” una adaptación al celuloide de la novela de Cormac McCarthy, autor que últimamente está en la boca de todos y no es para menos. Cormac es un escritor con muchas cualidades y en plena forma, de él también veremos otras adaptaciones al cine como “La carretera” o “Meridiano de sangre”.

Pero el film que nos ocupa ahora marca para los Coen un punto de inflexión, una renovación, una reinvención de algunas de sus particularidades artísticas. Las trazas de intertextualidad, de metalenguaje del cine que usan adecuadamente están bastante relegadas aquí. Sus formas de plasmar personajes excesivos, llenos de humor ácido o negro (como en Fargo) dejan lugar a unos personajes llenos de sobriedad, áridos, ajenos a cualquier juego referencial. Así pues, este cambio les ha venido muy bien, se han ceñido a un material ajeno para poder dar un cambio a su carrera y superarse a si mismos.

La historia entra de lleno en el subgénero de las road-movies, nos encontramos en Texas y un hombre llamado Moss (Josh Brolin) encuentra por accidente en el desierto un maletín con dinero. Pero esa sustancial suma de riqueza es buscada por diversa gente muy peligrosa, desde los narcotraficantes que lo han perdido, hasta un peligroso asesino llamado Chigurh (del que hablaremos más adelante e interpretado por Javier Bardem). Por lo tanto la historia gira en torno a Moss y su complicada huida con el dinero. Poco a poco se irá produciendo un duelo entre Chigurh y Moss de proporciones épicas, pesadillescas. Las consecuencias de esta descarnada persecución se deja notar por donde pasan con diversas víctimas.
Y un sheriff llamado Ed (Tommy Lee Jones) no hace más que llegar tarde a las escenas donde se han producido la acción. Llegando a  verse impotente por como cambian las cosas, los valores que mueven al mundo y  que deja de comprender.

Todo en “No es país para viejos” esta hábilmente construido, casi milimétricamente. Y como no, uno de los personajes más importantes es el propio paisaje, de una fisicidad patente en todo el metraje. Desde las panorámicas del desierto, ya sea en ese sol árido o frente una luna fría e impersonal hasta los moteles que iremos viendo. Pero además es tan palpable en los personajes como en sus emociones. Muchas de las escenas de tensión o de la lucha entre los protagonistas son mudas, dando protagonismo a los sonidos, los tempos y como digo esa claustrofóbica y patente fisicidad, llegando a unirse el entorno con los protagonistas. Y esto es algo que los Coen manejan de forma magistral.

Aparte tenemos a un magnifico asesino interpretado por Javier Bardem. Este fantasma implacable denominado Chigurh es otro de los elementos más acertados de la película. Porque es casi inhumano en toda la historia, la gente no sabe de donde es y cuales son sus complejas motivaciones. Como dice el sheriff, no es más que un fantasma, un ser que personifica la indiferencia del mundo, de la vida. “Las cosas de la vida no esperan por ti, eso es vanidad”, una vanidad que hace mella en el protagonista e incluso en el propio Chigurh (la escena del coche final), dándonos a entender que este mundo es cruel y sin concesiones, caprichoso hasta el extremo que no nos damos cuenta.

Otro apunte interesante es un hecho que sucede en el último tercio del film, algo atípico en el cine y que supongo que esta en el libro, pero que no dispongo aquí para no destrozar el argumento. Tan solo un pequeño apunte, desde las magnificas escenas de acción, como las conversaciones superficiales se encauzan hacia una forma de explicar el tema que subyace en el film. Algo que se aplica en el humor que se arrastra en muchas de sus escenas. Pero la principal es la aplastante aridez de la vida, de su poca compasión, de los caprichos sin motivación de ella (magnificamente recreada en el juego de la moneda, o en la conversación intrascendental de la piscina, que para nada es gratuita y entronca con la siguiente escena dándole un aplastante significado) y de cómo la vida gira de forma dura y que pese al monólogo final del sheriff dando un poco de esperanza, no deja de saber que esto no es país para viejos.

Los Coen han cogido un buen rumbo con este film, todos los actores están en su salsa, realizando Bardem un papel portentoso. Toda su trama esta llena de magníficas escenas de tensión, siendo todo un acierto la utilización de un lenguaje físico palpable. O los momentos de humor soterrados así como la dureza de muchos de sus argumentos. En definitiva, que la apuesta les ha salido redonda.

Crees que vas a ver una buena película de misterio, de asesinatos de difícil respuesta, que un asesino en serie da un nuevo punto de vista a las razones de porqué se mata y puede que incluso de sus razones sean innovadoras y sorprendentes por el supuesto debate intelectual que se va a desarrollar a continuación. Pero lo que compruebas es que se trata de un relato que según avanza el metraje cae por su propio peso, recayendo en sus propias contradicciones, lleno de humo que se desvanece hasta resolver un misterio demasiado obvio y liviano para lo que se esperaba de esta cinta.

Cuando finalizas el visionado de Los Crímenes de Oxford no sabes a qué atenerte. Si la película se basa sobre el razocinio y la capacidad de discurrir de un cruel profesor de matemáticas y filosofía (John Hurt) y su pupilo (Elijah Wood) para desenmascarar a un asesino en serie, lo cierto es que poco a poco avanza hacia otros derroteros, perdiéndose en su propio aire de suficiencia demostrando su engaño demasiado pronto, demasiado obvio.

Porque la inteligencia puede conducir a la locura, la investigación obsesiva a la degradación de incluso las mentes más brillantes, pero aquí ni hay locura, ni tensión, ni credibilidad por parte de los actores. Desde luego que Hurt es el que mejor desarrolla su personaje, porque desde luego es el más atractivo, pero Wood no nos convence como alumno aventajado en matemáticas, ni siquiera Watling aporta el aire de misterio que debería imprimir a su personaje. Por supuesto que se echa en falta mejor química entre los dos actores protagonistas a la hora de establecer su relación amorosa convertida en trío, pero Watling no se cree su personaje y Wood no se cree su relacion, así que todo en agua de borrajas o, mejor, en espaguetis sobre la cama.

Pero las matemáticas, los asesinatos, esas mentes complejas atraerán al público que esperará devanarse los sesos ante un misterio complejo, pero se trata de un cubo Rubik, una vez descubres la combinación para alinear todos los colores ya no puede sorprenderte. Aquí es demasiado artificial y salta a la vista. Una decepción.

Pusit (interpretado por el famoso cantante tailandés Krissada Terrence y mayormente conocido por su papel en la película “The adventures of Iron Pussy” del prestigioso Apichatpong) es un mediocre y aburrido trabajador que ve como todo en la vida le esta saliendo mal: sus compañeros del trabajo le roban los clientes, su antigua novia se convierte en una famosa cantante y lo deja, le despiden del trabajo y el poco dinero que tiene lo pide su madre para diversos motivos.

Pusit está totalmente deprimido y ensimismado en su desesperada situación, pero una misteriosa llamada (recibida en un piso catorce, ya que el piso trece no existe, es número de la mala suerte) le propone un juego: debe superar una serie de pruebas (en total unas trece), en cada prueba que supera se verá recompensado con una gran cantidad de dinero. Las reglas son mínimas: pierde el dinero si decide desistir, si alguien se entera del juego o si intenta investigar quienes son los dueños del concurso.

En principio las pruebas son simples y el dinero que gana cuantioso, como matar una mosca o comérsela. Pero según avanza en el juego las pruebas se tornan más desagradables, crueles y moralmente infames. La vorágine de degradación en la que entra Pusit solo le llevará a la desesperación sino encuentra una salida.

“13 Beloved” es una cinta que bebe de fuentes como “The Game”, “Un día de furia” y en menor medida de “Saw”. La película es una mezcla de humor negro, bizarro y thriller vertiginoso. Quizás lo más logrado es el humor, mezclado con la crítica que realiza de la sociedad, de los limites de la moralidad de las personas e incluso de los reality-shows.

El film resulta muy entretenido, aunque pierde fuelle en su último tercio, siendo lo peor algunas características tópicas que surgen al final. La interpretación de Krissada cumple su cometido, aunque algunos secundarios verdaderamente están horribles.

 En Tailandia ha sido uno de los éxitos del año (comercialmente hablando por supuesto) y las influencias del thriller de Hollywood están presentes en el film, aunque está basada en un comic famoso tailandés llamado “13 Quiz show”. Su director es bastante joven y el éxito de su film hace que la secuela este a punto de llegar, así como un corto (ya existente) en forma de precuela llamado “12 Begin” donde se nos explica los comienzos.

En definitiva, estamos ante un thriller correcto, cruel y escatológico por momentos, con mucho humor negro y crítica hacia la moral de la humanidad. El film pese a no ser perfecto y beber de muchas fuentes es bastante entretenido y está rodado con oficio, y mucho mejor que thrillers que nos llegan como magnificencias. Si hubiese tenido un final más redondo y una mejor mezcla de sus ingredientes “13 Beloved” sería mucha más redonda.

Uno de los hermanos Pang, concretamente Oxide Pang, vuelve a rodar en solitario después de su aventura en América con títulos como “The messengers”, o el remake de la primera y estimable película que hicieron los Pang Brothers “Bangkok Dangerous”, protagonizada por Nicolas Cage y que se estrenará a lo largo del 2008.

Y su vuelta no puede ser más provechosa con este “The Detective”, dejando a un lado sus historias más terroríficas, la trama de su último film se centra más en el terreno del thriller y la línea más clásica del cine negro con un simpático y torpe detective llamado Tam. Pero su labor profesional no se encuentra en buen momento, sus deudas son bastantes y los pocos casos que investiga solo le dan para pagar parte de ellas.
Pero un día aparece un extraño hombre que le contrata para encontrar una chica que no para de acosarlo e intenta matarlo. Tam decide que esta chalado pero al ver la suma de dinero que le ofrece acepta el caso.

Así empieza la historia de “The detective” donde Tom se verá envuelto en un misterioso caso donde los suicidios y la complejidad y misterio que encuentra le llevarán a obsesionarse hasta poder resolver el caso.
Toda la trama de la película sigue la línea clásica de las historias de cine negro, con algunos retazos de terror, pero al final llega a cansar con la reiteración del seguimiento de pistas o de testigos que le llevan a dar un paso más en la resolución del caso. A esto se le suma la excesiva duración de la película con lo cual hace resentir la buena idea inicial.

Pero el personaje de Tom y su simpatía y el unir las piezas de la investigación hacen que el film no se vaya del todo a pique y se siga con interés. No voy a contar la historia, pero todo tiene un porque y esta coherentemente explicado, aunque no novedoso (sobretodo para su filmografía). Lo malo es que los rasgos más negativos de los Pang se pueden ver en la película, como la subtrama de los padres de Tom, metida con calzador y con el estilo chirriantemente melodramático de Pang ; o el excesivo uso de sus  golpes de terror ya utilizados en sus films (sobretodo en el final) junto con el montaje videoclipero de ciertos momentos.

 Pero también tiene sus logros, como la ambientación sucia y bien realizada durante todo el film, el equilibrio de misterio y mezcla de géneros que intenta realizar (mejor resuelta que por ejemplo en AB-Normal Beauty). Por lo tanto, Pang logra una de sus películas en solitario más conseguidas, que aunque no aporte nada nuevo se deja ver con interés sobretodo gracias a la interpretación de Aaron Kwok y la historia de resolución detectivesca que impregna todo el film sin necesidad de espectaculares escenas de acción ni demás sandeces.

La última película de Cronenberg sigue la estela de su anterior obra “Una historia de violencia” repitiendo la temática de mafias y asesinos. Esta vez con unas pretensiones menores la historia de “Promesas del Este” nos traslada a Londres donde una enfermera llamada Anna -interpretada por Naomi Watts- descubrirá en una agenda de una chica una oscura historia relacionada con una mafia rusa asentada en Londres.

Esta mafia, encabezada por el jefe Semyon (Armin Mueller-Stahl), entablará conversaciones con Anna para recuperar dicha agenda. Dentro de la mafia Anna conocerá a un chofer (Viggo Mortensen) y el hijo de Semyon llamado Kirill. Y con este planteamiento inicial empezaremos a conocer el día a día de esta organización criminal, sus complots y sus rituales (dando especial énfasis a los tatuajes, aposentando en la piel del cuerpo la vida pasada de cada miembro).

Al mismo tiempo que conocemos a los protagonistas, también conocemos la vida de la chica de la agenda y por ende como se mueven los negocios de la mafia. También se establece una especial relación entre Anna y el chofer, siendo este último un personaje muy ambiguo y clave en la historia.

Con una historia simple Cronenberg nos ofrece otra magnífica película con estallidos de violencia realista y cruel que impactan y sin concesiones, un guión sin complejidades pero muy bien llevado, dándonos situaciones tensas durante todo el metraje, posibles amores y un estilo de conocer las mafias cercano al Johnnie To de “Election”. Si a todo ello se le suman unas interpretaciones impecables y un estilo formal en todos sus aspectos sobresalientes, tenemos un film totalmente recomendado. Como factores negativos el no profundizar en diversas líneas arguméntales que habrían redondeado la película y alguna situación un poco inverosímil en el papel de Anna, pero todo ello perdonable.

Cronemberg nos muestra en “Promesas del Este” un film con una narración clásica muy bien realizada, con una duración adecuada y con sus detonantes más característicos: planteamientos de la naturaleza del mal como el solo sabe (desde la escena de sexo, la violencia, el tema de la inmigración, las relaciones ambiguas de los personajes, etc.) y como no la carne como informadora de nuestra vida. No tiene la complejidad ni la mala uva de sus mejores películas, pero desde luego es una obra muy interesente en su filmografía y totalmente recomendable.

“Sympathy for Lady Vengeance” es la  esperada finalización de la magnifica trilogía sobre la venganza de Chan-wook Park (las anteriores eran: Sympathy for Mr Vengeance y Old Boy).
La historia se centra en una mujer llamada Kum-ja que es acusada del secuestro y asesinato de un niño, por lo que es encarcelada unos trece años. Pero al salir de la cárcel, lo primero y lo más obsesivo de su mente es la perpetración de la venganza sobre la persona que lo encarceló y le tendió una especie de “trampa”.

Como toda película de Park, nos encontramos con un montaje magnifico y una música excelente. La narración está fragmentada en diversos espacios temporales, pasando de lo sucedido en la cárcel de mujeres con lo que realiza una vez liberada de está.
Todo este montaje al principio me descoloco un poco (tendría un mal día), pero al final me quedé con la sensación de que es un logro; además utiliza mucho el humor negro y efectos surrealistas (sobre todo en la cárcel, donde vemos escarceos lesbicos y como se gana el respeto nuestra protagonista en ella).
Luego, esos contactos que establece en la prisión le servirán para perpetrar su venganza y llevarla a cabo, pero poco a poco, vemos que para redimirse no será suficiente esto. Con lo que Park, nos lleva a otro modo de reflexión sobre la venganza (distinta a las otras partes), en donde nos deja otro final amargo y escenas brutales entremezcladas con humor muy negro (como la de las personas que esperan en el banco con armas y plásticos en la ropa para no mancharse de sangre).

Un digno final, en definitiva de esta trilogía, que si bien está un poco por debajo de las anteriores entregas a mi parecer; desde luego en el aspecto formal y de historia esta a un nivel muy alto, y que es una de esas películas que con segundos visionados gana pero que mucho.