Keira Knightley parece abonada últimamente al cine romántico y de drama, después de su nominación al Oscar para Orgullo y Prejuicio, sin embargo no parece que su actuación haya vuelto a despuntar desde entonces. En Seda, dispone de un pequeño papel y no parece dispuesta a apostar por él, así que nos ofrece, de nuevo, una actuación correcta y discreta, resultado tal vez de una película pequeña y discreta.

Porque no vamos a encontrarnos grandes alardes en esta cinta dirigida por François Girard y que desde El Violín Rojo (1998) no se había situado tras las cámaras. Basada en la novela homónima y popular de Alessandro Baricco, cuya historia Novecento también fue llevada al cine, la película se convierte en un deambular contradictorio y plúmbeo en algunas ocasiones, desalentando al espectador, aunque lo que se buscaba realmente era lo onírico y bello.

Nos encontramos en la Francia de mediados del siglo XIX, la epidemia de la enfermedad de Pébrine, la enfermedad del gusano de seda que atacó a los huevos en los criaderos europeos a mediados de 1860, se extiende a ultramar, incluso los huevos de países tan lejanos como África y la India se ven infectados y todo el comercio europeo de seda parecía condenado a desaparecer. Baldablou confía la misión de viajar a Japón a Hervé Joncour (Michael Pitt), un oficial del ejército que se retira para esa misión, a la vez que contrae matrimonio con la profesora de escuela Hélène (Keira Knightley). Para llegar a su destino, debe atravesar Europa en trenes, hasta Kiev, y allí cruzará la estepa rusa con una caravana para alcanzar un barco que le lleva a Japón. Una vez en el país del Sol Naciente, encontrará un aliado que le ayuda a conseguir los huevos que necesita, pero también se sentirá atraído por una bella, silenciosa y enigmática mujer que le llevará de cabeza.

 El resultado de la película es desigual, tiene un arranque interesante, pero comienza a perder fuelle a mediados de la película, cuando su interés va decreciendo hasta que el espectador sólo quiere que finalice. Los personajes están perfilados, pero la pareja Pitt y Knigntley no consiguen conjugar confianza y cercanía, mientras que la enigmática mujer desprende correctamente su magnetismo sin pronunciar palabra. Una película correcta, pero que se hace tediosa finalmente.

Glen Hansard es un tipo muy curioso, es un músico que empezó tocando en la calle y que siguió una trayectoria musical con el grupo The Frames. Hizo sus pinitos interpretativos en un papel en la película “The Commitments”. Y llegados el año 2006 no paro: saco un disco en solitario llamado “The Swell Season” junto con Marketa Irglova ; ellos mismos son los que interpretarían la película musical “Once” y en la vida real surgió el amor entre ellos ; y para finalizar sacan el último disco por ahora de  The Frames.

Tanto “The Swell Season” como la bso de “Once” y el último disco de The Frames llamado “The cost” comparten algunas canciones iguales (algunas más eléctricas o acústicas según el álbum). Sobra decir que recomiendo cada uno de ellos, y la película “Once” que sin ser ninguna maravilla la verdad es que seduce por  eso mismo y por sus desgarradoras y sentidas canciones.

Por todo ello, y aunque no me gustan mucho los premios y menos los Oscars (poco verás en este blog hablar sobre premios) y al ver la nominación a mejor canción en los Oscars a “Falling Slowly", no he tenido mayor acicate para poneros el vídeo de la canción nominada y alguno más. Porque su música lo vale y la película también.

 Falling Slowly

 Say it to me now

 When your mind’s made up

El poco conocido por estos lares Fredi M. Murer pero bastante reconocido en Suiza nos presenta su última película denominada “Vitus” (seleccionada en los oscars del 2007 como mejor película de habla no inglesa) donde los niños adquieren otra vez el papel protagonista.

La historia se centra en un niño de cinco años llamado Vitus, auténtico prodigio y superdotado. Su gran coeficiente intelectual le hace sobresalir sobre los demás, tiene un talento innato para tocar el piano y en una fiesta que dan sus padres los contertulios prodigan en alabanzas por su precoz audacia en el piano. Leo y Helen que son los padres pronto ven sus virtudes y le llevan al conservatorio para que pueda hacer carrera en la música. Pero además, por su nivel intelectual, en el colegio no da más que problemas y pronto es llevado a cursos superiores para que aprenda acorde a su nivel.

Poco a poco, Vitus pronto se vera marginado en la escuela, siendo visto como un bicho raro y sus padres nada más hacen que marcarle el camino que tiene que seguir, siendo explotado como un producto de la música y decayendo en él las frustraciones de sus padres. A los doce años Vitus se siente ya totalmente sin rumbo, sin capacidad de dirigir su vida, en definitiva sin libertad. El único oasis que encuentra es su abuelo paterno, un hombre en el cual confía y puede hablarle con franqueza, además de compartir aficiones como el vuelo.

El film es un conmovedor y agradable relato de un niño prodigio protagonizado por dos niños: Fabricio Borsani (el de 5 años) bastante más expresivo y cariñoso, y por Teo Gheorghiu (verdadero virtuoso del piano en la vida real) más introspectivo debido a sus problemas. Así “Vitus” se divide en dos partes: las dos etapas de la vida de Vitus. El abuelo esta protagonizado por el impresionante Bruno Ganz (conocido por el papel de Hitler de “El Hundimiento”) que realiza una interpretación maravillosa. Además la interacción de los dos actores (abuelo y Vitus) funciona a las mil maravillas. El resto del elenco también se encuentra a gran nivel.

“Vitus” además de mostrarnos el lado talentoso del niño, nos muestra una historia sobre la libertad de la infancia, sobre las relaciones generacionales y como está nos puede marcar para bien o para mal. Su último tercio es sosegado y sobretodo agradable, quizás demasiado, pero debido al tono general del film es el más coherente. Debido al buen hacer del director, de la historia y de los actores creo que es bastante recomendable su visionado, una historia de niño prodigio bien realizada, con diversas líneas argumentales bien equilibradas y que llega a conmover por momentos.

Esta película brasileña trae mucha polvareda y polémica, “Tropa de elite” para empezar es la película más exitosa y más vista en la historia en Brasil, pero esto casi tres meses antes de su lanzamiento oficial. El motivo, las copias ilegales que inundaron las principales capitales de Brasil, se dice que unos tres millones de personas vieron está versión. Pero la versión estrenada se diferencia de esta copia pirata, añadiéndoles escenas y alterando la narración en diversos momentos.

La película se centra en las fabelas que rodean Río de Janeiro, pero el film se aleja de ese tono épico y cinematográfico de “Ciudad de Dios” y casi de modo documental y sin ninguna concesión, nos muestra en toda su crudeza el día a día de un grupo especial de policía militar y como “trabaja” en las fabelas. Este grupo denominado BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es el más especializado y duro, al que se le encomienda la represión de los narcotraficantes y que no circule la droga por las fabelas.

La historia se centra en el capitán Nascimento y en voz en off nos va comentando su día a día y como va perdiendo la cordura. Nascimento a causa de la visita del Papá debe realizar un gran control en las fabelas. Paralelamente conoceremos a Andre Matías y Neto unos policías militares bastante honestos que ven como la corrupción de la policía les aboca a alistarse al BOPE, que supuestamente no es tan corrupta y que lucha contra los narcotraficantes como si de guerrillas urbanas se tratarán.

Andre y Neto verán en su instrucción como se les deshumanizan y las pruebas duras a las que son sometidos para entrar en el cuerpo especial policial. Mientras uno de ellos solo busca la acción, el otro intenta honestamente acabar con el tráfico de drogas y con los narcotraficantes de las fabelas.

Básicamente la historia se centra en el punto de vista de la BOPE, pero tocando a colación una gran diversidad de temas de actualidad sobre la situación que se vive en las fabelas.

Tanto es así que la polémica de la cinta está servida, llegando a ser de gran debate en Brasil. Desde las practicas de tortura, asesinatos y demás escabrosas y crudas imágenes que se presencian a cargo de la BOPE y de los narcotraficantes hasta la corrupción que inunda al sistema. Siendo las grandes victimas de las fabelas la gente normal que vive en ellas, donde las BOPE y los narcotraficantes solamente cruzan el fuego de sus armas.
Parte de la polémica del film es sobre la opiniones vertidas sobre su carácter fascista, que creo que no existe, si que hay personajes fascistas pero no creo que la película lo sea. Aunque si veo un poco cierta apología al BOPE, desde que son impolutamente incorruptos (que no me lo creo) hasta la descripción superficial y un poco  caricaturizada de los personajes de una ONG.

La fidelidad a la realidad que impregnan sus fotogramas y su crudeza es encomiable, se retrata la vida cruel, alejándose como digo del romanticismo de “Ciudad de Dios”. Además también critica a los consumidores de droga (generalmente de clase media) que desde el punto de vista social del film contribuyen a que surgan más narcotraficantes y que el circulo vicioso no cese.

Esta visión “hiperrealista” del film es realizada por el director José Padhila, autor del documental “Ónibus 174” donde se cuenta el secuestro con rehenes de un autobús en un barrio carioca y con fatales consecuencias. Así pues, en un principio la idea de “Tropa de Elite” era hacer otro documental, pero la policía se negó a salir en el film. Además la película está inspirada en el libro “Elite de la Tropa” del antropólogo Luis Eduardo Soares junto con dos ex capitanes de la BOPE.

El film tuvo problemas en su rodaje, como cuando unos asaltantes robó una furgoneta con armas que formaban parte de la película secuestrando a miembros del equipo mientras grababan en una fabela. O que ex policías intentarán que fuera prohibida la película, etc. Aunque su director no cejo en su empeño.

Padhila ha intentado filmar una situación harto difícil, y su gran desempeño en mostrarnos una porción de cómo están las cosas en tan cruenta situación. Sin concesiones y con gran crueldad Padhila aporta una buena película que ninguna persona a la que gusto “Ciudad de Dios” debería perderse, y tampoco a aquellos que quieran ver más o menos como esta la situación de las fabelas y la crítica que muestra de cómo todo ser humano se convierte en un monstruo.

Dicen que es una de las pelí­culas más flojas de Woody Allen, pero considerando que si tienes la costumbre de lanzar al mercado una cinta al año, lo más probable es que no siempre los diálogos, los actores o la dirección vaya a salir perfecto.

De Allen, hemos reseñado Melinda y Melinda y Scoop. De ellas, la más floja es Scoop, aunque ésta le seguiría a la zaga. Si bien en Scoop aparecí­a el director y actor, no es así­ en el Sueño de Casandra por lo que se pierde el golpe humorístico que Allen se reservaba. Tal vez tratando de dar el golpe de efecto que consiguió dar en Match Point. Sin embargo, aquí ni los actores ni los diálogos son de lo más conseguido, a pesar de que sigue existiendo cierto regusto a Allen durante toda la cinta.

De los dos actores principales, Colin Farrell, sobre el que cae la mayor carga dramática, está tan sólo correcto, mientras que Ewan McGregor, si bien está mucho más en su sitio, no consigue enderezar la situación de dos hermanos con sendos aprietos que deben tomar la decisión más grave de su vida.

Por supuesto que la historia resulta a todas luces creíble, el aprieto monetario del mayor de los hermanos junto con los sueños de grandeza del más pequeño se convierten en su pesadilla y entran dentro de un cí­rculo amoral que llegará a su máxima expresión hacia el final de la película.

Los pequeños obreros que se dedican a sobrevivir durante sus vidas, se encuentran engullidos por los asuntos de un pez mucho más grande que les situará en un lí­mite que no se atreverán a cruzar, aunque no podrán evitar hacerlo cargando con todas las consecuencias que se deriven de ello. Sin embargo, los continuos devenires de los protagonistas llegarán a hacerse farragosos no permitiendo que la historia fluya con normalidad, lo que impacientará al espectador que esperará un poco más de chispa y menos introspección. Pero por supuesto que no dejamos de recomendárosla a pesar de todo. No está mal.

Vaya por delante que La Última Película es un referente dentro del cine de los años 70. Mientras George Lucas o Steven Spielberg iniciaban sus carreras cinematográficas hacia lo que hoy se considera el cine de consumo, Peter Bogdanovich decidía realizar un film con cierto sabor añejo, rodando en blanco y negro, demostrando que el viejo sentido a la hora de hacer cine todavía podía arrancar dos Oscar a la Academia, a la vez de un puñado de candidaturas. Éste es un cine que hoy en día se autodescartaría por la dureza en su trazo, por su claridad de ideas y de mensaje. Un cine que merece ser recordado y revisado de vez en cuando.

La trama se sitúa en un pequeño pueblo de Texas, donde los jóvenes comienzan su despertar sexual caminando hacia la madurez. Acabando el instituto, poco pueden hacer salvo transitar de la cafetería al billar, mientras esperan a la sesión de cine del fin de semana. Es un retrato gris de una sociedad en decadencia que encuentra en el personaje de Sam (Ben Johnson) su referente. El inicio es luminoso, las fiestas, las oportunidades, las escapadas hacia México se van convirtiendo en algo plúmbeo mientras avanza la cinta, mientras la madurez y la realidad de la vida alcanza a los personajes y comienza un rápido deterioro.

Porque, de hecho, ese deterioro que van a sufrir en sus carnes los jóvenes protagonistas en sus vidas, ya se encuentra en la vida de sus mayores, anodinos y cansados de su propia existencia, encadenados a las decisiones del pasado que se tomaron tan precipitadamente y sin apenas reflexión ni margen. Son esos jóvenes las víctimas de una pasado demasiado pesado en el que algunos caerán atrapados, mientras otros, los más afortunados escaparán de él. Una sociedad que ya se encuentra decrépita y sin posibilidades.

Ésta es una de las mejores películas que he visto recientemente, que actualmente no se rodarían por la laxitud sexual y moral que muestra, pero que es complemente valiente y sincera en sus planteamientos a la hora de contarnos una historia desde distintos frentes que no aburre en ningún momento.