"Un mundo implacable" (Network, 1976) es el de la televisión basura, donde prima lo comercial frente a la información, donde la publicidad y el dinero mandan y no importa lo que se haga para conseguirlo: programas de videntes e iluminados, series protagonizadas por parejas homosexuales (tened en cuenta que eran los 70 y debí­a ser un planteamiento muy rompedor), financiar grupos terroristas de extrema izquierda para que ofrezcan en prime time la grabación de sus actos subversivos… incluso, el asesinato en directo si la audiencia cae. Esta es la televisión que nos vaticinaba Sidney Lumet en 1976 y quizá no está tan lejos de la televisión actual.

Howard Beale (Peter Finch) es un veterano y, en su momento, muy reconocido presentador de telediarios que, debido a la caí­da de su índice de audiencia va a ser despedido. Ante la frustración que le supone el despido -añadido a su reciente viudez y soledad-, anuncia en su telediario que su último dí­a de trabajo se suicidará ante las cámaras. La primera reacción de su cadena de televisión es anticipar su despido, pero finalmente, gracias al apoyo de su jefe de noticiarios y amigo Max Schumacher (William Holden), accede a que rectifique ante los espectadores y se despida de una manera digna. Pero Beale ya ha traspasado los límites de la locura y, ante las cámaras, se pone a despotricar contra todo y contra todos, exaltando al público a gritar por sus ventanas "Estoy más que harto y no quiero seguir soportándolo". Ante la respuesta activa del público, que visualiza su programa a través de múltiples cadenas y en múltiples Estados, Diana Christensen (Faye Dunaway) -la implacable jefa de programación de la cadena-, decide aprovechar el tirón de audiencia y dar un programa a Beale, dónde podrá seguir despotricando contra el mundo mientras se mantenga su popularidad.

Lumet nos muestra en esta pelí­cula una sociedad que exige sensaciones fuertes y entretenimiento vacío, y una televisión que está dispuesta a todo para dárselo. Nadie es incorruptible ni está fuera del alcance del dinero y la fama: ni el presentador de telediarios, que llega a la locura por su baja popularidad y despido; ni los activistas polí­ticos, que se venden por un espacio en televisión; ni mucho menos, la jefa de programación, una magní­fica Faye Dunaway en un papel duro e insensible, capaz de recibir sin inmutarse la crí­tica más despiadada de su amante Max Schumacher (un monólogo realmente brillante), que aún amándola, es incapaz de soportar su falta de humanidad.

Porque no vamos a encontrarnos grandes alardes en esta cinta dirigida por François Girard y que desde El Violín Rojo (1998) no se había situado tras las cámaras. Basada en la novela homónima y popular de Alessandro Baricco, cuya historia Novecento también fue llevada al cine, la película se convierte en un deambular contradictorio y plúmbeo en algunas ocasiones, desalentando al espectador, aunque lo que se buscaba realmente era lo onírico y bello.

Nos encontramos en la Francia de mediados del siglo XIX, la epidemia de la enfermedad de Pébrine, la enfermedad del gusano de seda que atacó a los huevos en los criaderos europeos a mediados de 1860, se extiende a ultramar, incluso los huevos de países tan lejanos como África y la India se ven infectados y todo el comercio europeo de seda parecía condenado a desaparecer. Baldablou confía la misión de viajar a Japón a Hervé Joncour (Michael Pitt), un oficial del ejército que se retira para esa misión, a la vez que contrae matrimonio con la profesora de escuela Hélène (Keira Knightley). Para llegar a su destino, debe atravesar Europa en trenes, hasta Kiev, y allí cruzará la estepa rusa con una caravana para alcanzar un barco que le lleva a Japón. Una vez en el país del Sol Naciente, encontrará un aliado que le ayuda a conseguir los huevos que necesita, pero también se sentirá atraído por una bella, silenciosa y enigmática mujer que le llevará de cabeza.

 El resultado de la película es desigual, tiene un arranque interesante, pero comienza a perder fuelle a mediados de la película, cuando su interés va decreciendo hasta que el espectador sólo quiere que finalice. Los personajes están perfilados, pero la pareja Pitt y Knigntley no consiguen conjugar confianza y cercanía, mientras que la enigmática mujer desprende correctamente su magnetismo sin pronunciar palabra. Una película correcta, pero que se hace tediosa finalmente.

Tanto “The Swell Season” como la bso de “Once” y el último disco de The Frames llamado “The cost” comparten algunas canciones iguales (algunas más eléctricas o acústicas según el álbum). Sobra decir que recomiendo cada uno de ellos, y la película “Once” que sin ser ninguna maravilla la verdad es que seduce por  eso mismo y por sus desgarradoras y sentidas canciones.

Por todo ello, y aunque no me gustan mucho los premios y menos los Oscars (poco verás en este blog hablar sobre premios) y al ver la nominación a mejor canción en los Oscars a “Falling Slowly", no he tenido mayor acicate para poneros el vídeo de la canción nominada y alguno más. Porque su música lo vale y la película también.

 Falling Slowly

 Say it to me now

 When your mind’s made up

La historia se centra en un niño de cinco años llamado Vitus, auténtico prodigio y superdotado. Su gran coeficiente intelectual le hace sobresalir sobre los demás, tiene un talento innato para tocar el piano y en una fiesta que dan sus padres los contertulios prodigan en alabanzas por su precoz audacia en el piano. Leo y Helen que son los padres pronto ven sus virtudes y le llevan al conservatorio para que pueda hacer carrera en la música. Pero además, por su nivel intelectual, en el colegio no da más que problemas y pronto es llevado a cursos superiores para que aprenda acorde a su nivel.

Poco a poco, Vitus pronto se vera marginado en la escuela, siendo visto como un bicho raro y sus padres nada más hacen que marcarle el camino que tiene que seguir, siendo explotado como un producto de la música y decayendo en él las frustraciones de sus padres. A los doce años Vitus se siente ya totalmente sin rumbo, sin capacidad de dirigir su vida, en definitiva sin libertad. El único oasis que encuentra es su abuelo paterno, un hombre en el cual confía y puede hablarle con franqueza, además de compartir aficiones como el vuelo.

El film es un conmovedor y agradable relato de un niño prodigio protagonizado por dos niños: Fabricio Borsani (el de 5 años) bastante más expresivo y cariñoso, y por Teo Gheorghiu (verdadero virtuoso del piano en la vida real) más introspectivo debido a sus problemas. Así “Vitus” se divide en dos partes: las dos etapas de la vida de Vitus. El abuelo esta protagonizado por el impresionante Bruno Ganz (conocido por el papel de Hitler de “El Hundimiento”) que realiza una interpretación maravillosa. Además la interacción de los dos actores (abuelo y Vitus) funciona a las mil maravillas. El resto del elenco también se encuentra a gran nivel.

“Vitus” además de mostrarnos el lado talentoso del niño, nos muestra una historia sobre la libertad de la infancia, sobre las relaciones generacionales y como está nos puede marcar para bien o para mal. Su último tercio es sosegado y sobretodo agradable, quizás demasiado, pero debido al tono general del film es el más coherente. Debido al buen hacer del director, de la historia y de los actores creo que es bastante recomendable su visionado, una historia de niño prodigio bien realizada, con diversas líneas argumentales bien equilibradas y que llega a conmover por momentos.

La película se centra en las fabelas que rodean Río de Janeiro, pero el film se aleja de ese tono épico y cinematográfico de “Ciudad de Dios” y casi de modo documental y sin ninguna concesión, nos muestra en toda su crudeza el día a día de un grupo especial de policía militar y como “trabaja” en las fabelas. Este grupo denominado BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es el más especializado y duro, al que se le encomienda la represión de los narcotraficantes y que no circule la droga por las fabelas.

La historia se centra en el capitán Nascimento y en voz en off nos va comentando su día a día y como va perdiendo la cordura. Nascimento a causa de la visita del Papá debe realizar un gran control en las fabelas. Paralelamente conoceremos a Andre Matías y Neto unos policías militares bastante honestos que ven como la corrupción de la policía les aboca a alistarse al BOPE, que supuestamente no es tan corrupta y que lucha contra los narcotraficantes como si de guerrillas urbanas se tratarán.

Andre y Neto verán en su instrucción como se les deshumanizan y las pruebas duras a las que son sometidos para entrar en el cuerpo especial policial. Mientras uno de ellos solo busca la acción, el otro intenta honestamente acabar con el tráfico de drogas y con los narcotraficantes de las fabelas.

Básicamente la historia se centra en el punto de vista de la BOPE, pero tocando a colación una gran diversidad de temas de actualidad sobre la situación que se vive en las fabelas.

Tanto es así que la polémica de la cinta está servida, llegando a ser de gran debate en Brasil. Desde las practicas de tortura, asesinatos y demás escabrosas y crudas imágenes que se presencian a cargo de la BOPE y de los narcotraficantes hasta la corrupción que inunda al sistema. Siendo las grandes victimas de las fabelas la gente normal que vive en ellas, donde las BOPE y los narcotraficantes solamente cruzan el fuego de sus armas.
Parte de la polémica del film es sobre la opiniones vertidas sobre su carácter fascista, que creo que no existe, si que hay personajes fascistas pero no creo que la película lo sea. Aunque si veo un poco cierta apología al BOPE, desde que son impolutamente incorruptos (que no me lo creo) hasta la descripción superficial y un poco  caricaturizada de los personajes de una ONG.

La fidelidad a la realidad que impregnan sus fotogramas y su crudeza es encomiable, se retrata la vida cruel, alejándose como digo del romanticismo de “Ciudad de Dios”. Además también critica a los consumidores de droga (generalmente de clase media) que desde el punto de vista social del film contribuyen a que surgan más narcotraficantes y que el circulo vicioso no cese.

Esta visión “hiperrealista” del film es realizada por el director José Padhila, autor del documental “Ónibus 174” donde se cuenta el secuestro con rehenes de un autobús en un barrio carioca y con fatales consecuencias. Así pues, en un principio la idea de “Tropa de Elite” era hacer otro documental, pero la policía se negó a salir en el film. Además la película está inspirada en el libro “Elite de la Tropa” del antropólogo Luis Eduardo Soares junto con dos ex capitanes de la BOPE.

El film tuvo problemas en su rodaje, como cuando unos asaltantes robó una furgoneta con armas que formaban parte de la película secuestrando a miembros del equipo mientras grababan en una fabela. O que ex policías intentarán que fuera prohibida la película, etc. Aunque su director no cejo en su empeño.

Padhila ha intentado filmar una situación harto difícil, y su gran desempeño en mostrarnos una porción de cómo están las cosas en tan cruenta situación. Sin concesiones y con gran crueldad Padhila aporta una buena película que ninguna persona a la que gusto “Ciudad de Dios” debería perderse, y tampoco a aquellos que quieran ver más o menos como esta la situación de las fabelas y la crítica que muestra de cómo todo ser humano se convierte en un monstruo.

De Allen, hemos reseñado Melinda y Melinda y Scoop. De ellas, la más floja es Scoop, aunque ésta le seguiría a la zaga. Si bien en Scoop aparecí­a el director y actor, no es así­ en el Sueño de Casandra por lo que se pierde el golpe humorístico que Allen se reservaba. Tal vez tratando de dar el golpe de efecto que consiguió dar en Match Point. Sin embargo, aquí ni los actores ni los diálogos son de lo más conseguido, a pesar de que sigue existiendo cierto regusto a Allen durante toda la cinta.

De los dos actores principales, Colin Farrell, sobre el que cae la mayor carga dramática, está tan sólo correcto, mientras que Ewan McGregor, si bien está mucho más en su sitio, no consigue enderezar la situación de dos hermanos con sendos aprietos que deben tomar la decisión más grave de su vida.

Por supuesto que la historia resulta a todas luces creíble, el aprieto monetario del mayor de los hermanos junto con los sueños de grandeza del más pequeño se convierten en su pesadilla y entran dentro de un cí­rculo amoral que llegará a su máxima expresión hacia el final de la película.

Los pequeños obreros que se dedican a sobrevivir durante sus vidas, se encuentran engullidos por los asuntos de un pez mucho más grande que les situará en un lí­mite que no se atreverán a cruzar, aunque no podrán evitar hacerlo cargando con todas las consecuencias que se deriven de ello. Sin embargo, los continuos devenires de los protagonistas llegarán a hacerse farragosos no permitiendo que la historia fluya con normalidad, lo que impacientará al espectador que esperará un poco más de chispa y menos introspección. Pero por supuesto que no dejamos de recomendárosla a pesar de todo. No está mal.

La trama se sitúa en un pequeño pueblo de Texas, donde los jóvenes comienzan su despertar sexual caminando hacia la madurez. Acabando el instituto, poco pueden hacer salvo transitar de la cafetería al billar, mientras esperan a la sesión de cine del fin de semana. Es un retrato gris de una sociedad en decadencia que encuentra en el personaje de Sam (Ben Johnson) su referente. El inicio es luminoso, las fiestas, las oportunidades, las escapadas hacia México se van convirtiendo en algo plúmbeo mientras avanza la cinta, mientras la madurez y la realidad de la vida alcanza a los personajes y comienza un rápido deterioro.

Porque, de hecho, ese deterioro que van a sufrir en sus carnes los jóvenes protagonistas en sus vidas, ya se encuentra en la vida de sus mayores, anodinos y cansados de su propia existencia, encadenados a las decisiones del pasado que se tomaron tan precipitadamente y sin apenas reflexión ni margen. Son esos jóvenes las víctimas de una pasado demasiado pesado en el que algunos caerán atrapados, mientras otros, los más afortunados escaparán de él. Una sociedad que ya se encuentra decrépita y sin posibilidades.

Ésta es una de las mejores películas que he visto recientemente, que actualmente no se rodarían por la laxitud sexual y moral que muestra, pero que es complemente valiente y sincera en sus planteamientos a la hora de contarnos una historia desde distintos frentes que no aburre en ningún momento.

La trama de la historia gira en torno a dos gemelos llamados, uno llamado Elliot, que es el más extrovertido, que liga con todas las mujeres, el relaciones públicas en su carrera de médicos, sagaz, educado y con buen temple; y luego tenemos a Beverly, con una personalidad introvertida, casi marginal, con problemas con las mujeres y el intelectual que hace que la carrera de ambos en el ámbito de la medicina sea un éxito.

Ambos son médicos y viven juntos, son como el título dice inseparables, lo comparten todo y llevan una vida muy metodologica en donde funden sus personalidades en una sola según la situación. Y como no comparten a las mujeres, el exitoso Elliot una vez conquistada la mujer que desea se las pasa a su hermano Beverly sin que estas sepan quien es quien.
Pero en una de estas conquistas Beverly se enamora de una actriz de cine sin remisión y los lazos de los gemelos se verán fuertemente peligrados.

Así comienza este hipnotizante, sugestivo y pavoroso film de Cronenberg, en donde el descenso al infierno de los gemelos no hace sino que seguir un ritmo trepidante y sin pausa. Cronenberg nos aborda sin descanso con esa enfermiza relación entre los gemelos -interpretados por un Jeremy Irons sublime-, pero también con la relación de Beverly y la actriz de cine, proclive a la destrucción ya que ambos se vuelven adictos a las drogas y en la que solo se sienten momentáneamente calmados en sus juegos sexuales.

Poco a poco, Beverly va cayendo en la locura y arrastrando a Elliot en ella, llegando a paroxismos salvajes con la instrumentación ginecológica de mujeres mutantes (creada por Beverly), y siendo el tercio final del film absolutamente sobrecogedor y malsano. A todo ello, como digo, las excelentes actuaciones de Jeremy Irons o Genevièle Bujold, así como la excelente banda sonora aterradora de Howard Shore, hacen redondear tan oscura historia.

Con “Inseparables” Cronenberg hizo la que posiblemente sea su mejor película, abordando todas las constantes de sus películas y matizando otras, todo ello siguiendo otro nuevo rumbo pero sin cambiar de identidad. En definitiva, una obra compleja, opresiva, fascinante y de visionado obligado para los que quieran seguir su filmografía.

Los veinte primeros minutos son prácticamente el corto comentado anteriormente, es decir, las mismas escenas, a las que se le han añadido una historia de amor del protagonista (Ben) y algún que otro personaje más de los ya de por si estrafalarios que vais a encontrar a lo largo del film.

Pero el hecho de por qué Ben trabaja en el turno de noche es distinto al cortometraje, aquí Ben ha sufrido la ruptura con su pareja y en un estado de depresión que no le permite dormir intenta buscar trabajo por la noche; así que acaba en un supermercado donde conocerá a un jefe imbuido en una vida monótona y vacía, a un par de compañeros que se pasan las horas haciendo locuras y a cada cual más loco, y por último, a una chica llamada Sharon y de la cual entablará una buena amistad.

Todos ellos intentan llevar la vida y el trabajo de la forma más llevadera, intentando que el trabajo no los deshumanice ni acabe con ellos. Así pues Ben escapa de esas horas intempestuosas con una serie de ensoñaciones, en donde es capaz de detener el tiempo y observar lo más importante para él: la belleza de la mujer y sus rasgos más distintivos. Ben es pintor e intenta captar en todo momento esa belleza, hasta que repara en Sharon y comienza una historia de amor entre ellos.

Con el amor que Ben empieza a sentir por Sharon, asistiremos a una serie de flashbacks de su vida amorosa cuando era un muchacho, aportando la película más facetas de las relaciones, tales como los primeros amores y fracasos.

Casi toda la película tiene un aire onírico y de ensoñación que aportan a la película una originalidad destacable, así como las reflexiones de Ben (casi toda la película utiliza la voz en off) que son la mar de divertidas y algunas dan en el clavo. Así con una mezcla de comedia (los personajes son muy divertidos y entrañables) y de romanticismo Sean realiza un largometraje muy interesante y refrescante, engrandeciendo el cortometraje y aportando y desarrollando las tramas y temas que ya aparecían en él.

“Cashback” es un destacable film, con una puesta en escena que refleja la ensoñación y los sentimientos de forma muy lograda, y que merece por lo menos ser estrenada de una vez en España, después de haber triunfado por los festivales que ha pasado. Por lo pronto y para quien tenga curiosidad aquí os dejo con el cortometraje para que podáis verlo. 

"Fast Food Nation" ya denota en su título lo que nos vamos a encontrar, una historia denunciando la industria cárnica y todo lo que rodea a la comida rápida, profundizando en otras características de la sociedad.
La historia se centra en un empresario de una compañía de comida rápida que tiene que investigar la fábrica que le proporciona la carne para sus hamburguesas ya que han detectado un ingrediente no usual en las hamburguesas: estiércol de vaca.
Asistimos a la odisea del empresario Don Henderson (Greg Kinnear) y veremos los factores que actúan alrededor de esta industria: el riesgo laboral, el empleo clandestino, la deshumanización y falta de escrúpulos, la situación de los granjeros, etc.
Con lo cual, a partir de esta situación la historia se bifurca en otras secundarias y algunas llegando a ser primarias, como la historia de los mejicanos que cruzan la frontera y entran a trabajar, mejor dicho a ser explotados, en la industria que produce las hamburguesas, viendo las condiciones denigrantes que viven. O la nula seguridad que les ofrecen en el trabajo, siendo muchos de ellos marcados por accidentes que les dejan con miembros amputados u otras lindezas. Pero además la visión de los mejicanos no es idílica como si fueran victimas, entre ellos mismos dejan entrever que no todos son angeles llegando a mostrar las cualidades más oscuras que la humanidad posee.

A mitad de película la historia gira radicalmente, para mostrarnos más profundamente la situación de los personajes mejicanos y la de la generación de jóvenes que intentan cambiar el mundo pasando a la acción, una cualidad idealista muy bien retratada y que se centra en la esperanza de poder cambiar las cosas (magnifico Ethan Hawke como secundario hablando sobre esto), el resultado es conocido por todos.
Al final la película  mezcla todas las historias  perfectamente, llegando a un clímax final perfecto, reflejando ya no solo una denuncia de la industria de comida rápida, sino dejando la impronta de la sociedad actual en la que vivimos, la historia la puedes trasladar a cualquier lugar, industria y verás que no cambia mucho las cosas.

El film además esta lleno de un gran elenco de actores, siendo los secundarios un punto fuerte y dando discursos muy logrados: Bruce Willis y la conversación con el empresario, Ethan Hawke hablando con su sobrina, Kris Kristofferson dando su punto de vista granjero, etc. Y siguiendo con los actores tenemos a Patricia Arquette, Luis Guzmán, Avril Lavigne (si, la cantante), Catalina Sandina Moreno, Paul Dano y muchos más que hacen de la película un gran mosaico de personajes que reflejan distintos puntos de vista.

“Fast Food Nation” es Linklater en plena forma, una delicia donde se conjugan la denuncia y diversas historias a raíz del tema principal, donde su gran acierto es la fotografía instantánea que recrea de la humanidad de hoy en día, reforzada por un elenco de actores muy idóneo y que no realizan cameos a la galería, sino que son importantes dentro de la historia.  Lástima que no haya tenido tanta suerte como su coetánea del mismo año y que  su estreno en  España haya tardado tanto.