Silvester Stallone vuelve a su personaje más popular y que le dio la fama: Rambo. Dirigida, guionizada, protagonizada y producida por Stallone (quién sino) esta cuarta entrega denominada en España “John Rambo” va directamente al grano. Después de un sinfín de guiones y borradores que se pudieron elegir el que se llevo al gato al agua es el que todos esperábamos.

Birmania, genocidios, guerras, torturas, etc. Rambo es contratado por un grupo de misioneros para que los lleven a Birmania, a un pueblo donde es necesaria su labor humanitaria, ya sea suministrando medicinas o llevando el cristianismo a la zona. Rambo al principio es reticente en llevarlos a tal peligrosa zona, pero una chica del grupo de misioneros llamada Sarah (protagonizada por Julie Benz y que podréis ver en la excelente serie Dexter) convence a nuestro héroe para que realice su labor.

Supongo que intuís por donde van los “tiros”: el grupo de misioneros es raptado y Rambo junto con un grupo de mercenarios irán a rescatarlos raudamente.
Así pues, después de este “argumento” uno se espera un soporífero intento de hacer resurgir a este personaje y que las arcas de Stallone se llenen. Pese a que es obvio esto último, uno ve que Stallone ha hecho lo posible para que sea un producto digno.

Y lo consigue dentro de sus limitaciones, la película tiene una estructura bien establecida sin rellenos y que mantiene la coherencia en todo momento. Las escenas de acción están muy bien planificadas, la verdad es que me sorprendieron. Concretamente las dos finales están hechas con buen oficio.

Además Stallone sabe a que público va dirigida y lo da todo, desde suprimir la mayor parte de diálogos a Rambo y así se reducen las típicas frases y memeces que puede decir (siendo pocas en esta película) y darnos un producto de acción totalmente entretenido. Pero eso sí, encarecidamente salvaje, brutal, gore y sin concesión alguna. Desde el principio se ven cuerpos reventados, cabezas cortadas y demás lindeces.

Porque ríete de Legolas lanzando flechas, de las batallas de las nenas de 300. Aquí Rambo es totalmente brutal, el Jason Voorhees de la guerra. Con lo cuál la violencia en el film es bastante extrema, nada más hay que ver la cruenta matanza que se da en el poblado para ver el rumbo que toma la película.

Pese a no ser ninguna obra maestra, ni buena, si que pasa a ser un digno film de acción, mucho mejor que otros tan laureados y bastante bien dirigida por Stallone (sobretodo en las escenas de acción, o sea el 90% del film), algo que no creía que diría nunca de esta película antes de verla. Además en ciertos momentos de esta oda a la bestialidad se ven ciertas influencias del cine de Sam Peckinpah (obviamente muy remotas) y su retrato de la violencia. Por cierto, muy interesante este estudio comparativo de todas las entregas, para que cuantifiquéis las salvajadas que veréis.

Esta película brasileña trae mucha polvareda y polémica, “Tropa de elite” para empezar es la película más exitosa y más vista en la historia en Brasil, pero esto casi tres meses antes de su lanzamiento oficial. El motivo, las copias ilegales que inundaron las principales capitales de Brasil, se dice que unos tres millones de personas vieron está versión. Pero la versión estrenada se diferencia de esta copia pirata, añadiéndoles escenas y alterando la narración en diversos momentos.

La película se centra en las fabelas que rodean Río de Janeiro, pero el film se aleja de ese tono épico y cinematográfico de “Ciudad de Dios” y casi de modo documental y sin ninguna concesión, nos muestra en toda su crudeza el día a día de un grupo especial de policía militar y como “trabaja” en las fabelas. Este grupo denominado BOPE (Batallón de Operaciones Policiales Especiales) es el más especializado y duro, al que se le encomienda la represión de los narcotraficantes y que no circule la droga por las fabelas.

La historia se centra en el capitán Nascimento y en voz en off nos va comentando su día a día y como va perdiendo la cordura. Nascimento a causa de la visita del Papá debe realizar un gran control en las fabelas. Paralelamente conoceremos a Andre Matías y Neto unos policías militares bastante honestos que ven como la corrupción de la policía les aboca a alistarse al BOPE, que supuestamente no es tan corrupta y que lucha contra los narcotraficantes como si de guerrillas urbanas se tratarán.

Andre y Neto verán en su instrucción como se les deshumanizan y las pruebas duras a las que son sometidos para entrar en el cuerpo especial policial. Mientras uno de ellos solo busca la acción, el otro intenta honestamente acabar con el tráfico de drogas y con los narcotraficantes de las fabelas.

Básicamente la historia se centra en el punto de vista de la BOPE, pero tocando a colación una gran diversidad de temas de actualidad sobre la situación que se vive en las fabelas.

Tanto es así que la polémica de la cinta está servida, llegando a ser de gran debate en Brasil. Desde las practicas de tortura, asesinatos y demás escabrosas y crudas imágenes que se presencian a cargo de la BOPE y de los narcotraficantes hasta la corrupción que inunda al sistema. Siendo las grandes victimas de las fabelas la gente normal que vive en ellas, donde las BOPE y los narcotraficantes solamente cruzan el fuego de sus armas.
Parte de la polémica del film es sobre la opiniones vertidas sobre su carácter fascista, que creo que no existe, si que hay personajes fascistas pero no creo que la película lo sea. Aunque si veo un poco cierta apología al BOPE, desde que son impolutamente incorruptos (que no me lo creo) hasta la descripción superficial y un poco  caricaturizada de los personajes de una ONG.

La fidelidad a la realidad que impregnan sus fotogramas y su crudeza es encomiable, se retrata la vida cruel, alejándose como digo del romanticismo de “Ciudad de Dios”. Además también critica a los consumidores de droga (generalmente de clase media) que desde el punto de vista social del film contribuyen a que surgan más narcotraficantes y que el circulo vicioso no cese.

Esta visión “hiperrealista” del film es realizada por el director José Padhila, autor del documental “Ónibus 174” donde se cuenta el secuestro con rehenes de un autobús en un barrio carioca y con fatales consecuencias. Así pues, en un principio la idea de “Tropa de Elite” era hacer otro documental, pero la policía se negó a salir en el film. Además la película está inspirada en el libro “Elite de la Tropa” del antropólogo Luis Eduardo Soares junto con dos ex capitanes de la BOPE.

El film tuvo problemas en su rodaje, como cuando unos asaltantes robó una furgoneta con armas que formaban parte de la película secuestrando a miembros del equipo mientras grababan en una fabela. O que ex policías intentarán que fuera prohibida la película, etc. Aunque su director no cejo en su empeño.

Padhila ha intentado filmar una situación harto difícil, y su gran desempeño en mostrarnos una porción de cómo están las cosas en tan cruenta situación. Sin concesiones y con gran crueldad Padhila aporta una buena película que ninguna persona a la que gusto “Ciudad de Dios” debería perderse, y tampoco a aquellos que quieran ver más o menos como esta la situación de las fabelas y la crítica que muestra de cómo todo ser humano se convierte en un monstruo.

Pusit (interpretado por el famoso cantante tailandés Krissada Terrence y mayormente conocido por su papel en la película “The adventures of Iron Pussy” del prestigioso Apichatpong) es un mediocre y aburrido trabajador que ve como todo en la vida le esta saliendo mal: sus compañeros del trabajo le roban los clientes, su antigua novia se convierte en una famosa cantante y lo deja, le despiden del trabajo y el poco dinero que tiene lo pide su madre para diversos motivos.

Pusit está totalmente deprimido y ensimismado en su desesperada situación, pero una misteriosa llamada (recibida en un piso catorce, ya que el piso trece no existe, es número de la mala suerte) le propone un juego: debe superar una serie de pruebas (en total unas trece), en cada prueba que supera se verá recompensado con una gran cantidad de dinero. Las reglas son mínimas: pierde el dinero si decide desistir, si alguien se entera del juego o si intenta investigar quienes son los dueños del concurso.

En principio las pruebas son simples y el dinero que gana cuantioso, como matar una mosca o comérsela. Pero según avanza en el juego las pruebas se tornan más desagradables, crueles y moralmente infames. La vorágine de degradación en la que entra Pusit solo le llevará a la desesperación sino encuentra una salida.

“13 Beloved” es una cinta que bebe de fuentes como “The Game”, “Un día de furia” y en menor medida de “Saw”. La película es una mezcla de humor negro, bizarro y thriller vertiginoso. Quizás lo más logrado es el humor, mezclado con la crítica que realiza de la sociedad, de los limites de la moralidad de las personas e incluso de los reality-shows.

El film resulta muy entretenido, aunque pierde fuelle en su último tercio, siendo lo peor algunas características tópicas que surgen al final. La interpretación de Krissada cumple su cometido, aunque algunos secundarios verdaderamente están horribles.

 En Tailandia ha sido uno de los éxitos del año (comercialmente hablando por supuesto) y las influencias del thriller de Hollywood están presentes en el film, aunque está basada en un comic famoso tailandés llamado “13 Quiz show”. Su director es bastante joven y el éxito de su film hace que la secuela este a punto de llegar, así como un corto (ya existente) en forma de precuela llamado “12 Begin” donde se nos explica los comienzos.

En definitiva, estamos ante un thriller correcto, cruel y escatológico por momentos, con mucho humor negro y crítica hacia la moral de la humanidad. El film pese a no ser perfecto y beber de muchas fuentes es bastante entretenido y está rodado con oficio, y mucho mejor que thrillers que nos llegan como magnificencias. Si hubiese tenido un final más redondo y una mejor mezcla de sus ingredientes “13 Beloved” sería mucha más redonda.

Estamos ante la adaptación a la televisión de la novela de Andreas Eschbach “El vídeo Jesús”. Esta miniserie de tres horas es conocida en España con el título de “El enigma de Jerusalén” y esta dirigida por Sebastián Niemann.

La historia se centra en Steffen un arqueólogo que junto con su compañero de trabajo y su director de excavaciones descubren un misterioso esqueleto portador de un enigmático objeto imposible de asimilar: un manual de instrucciones de una cámara de vídeo.
Según van pasando y comprobando las teorías de tan misterioso objeto, los protagonistas deducen que un viajero en el tiempo fue a la época de Jesús y grabo todas sus proezas, si es que existieron.

Pero Steffen se vera apartado de la investigación por el multimillonario que lleva la expedición llamado Kaun, aún así Steffen no se amedrenta e intentará saber que decían las cartas encontradas del viajero en el tiempo y así averiguar el paradero de la cámara.
Una chica llamada Sharon ayudará a Steffen en su búsqueda, así como el novio de Sharon llamado Yehoshua.

Esta adaptación televisiva de la novela sigue en líneas generales la estructura del libro, pero cambiando cosas para bien y otras para mal. Si en la novela faltaba avanzar la historia y las situaciones, en la película se suple esto con muchas secuencias de acción y persecuciones que hacen más entretenida su visión. Aquí Steffen sufre de lo lindo, tanto físicamente como psicológicamente cosa que no pasa en la novela.
Se han añadido recursos dramáticos para hacer más cinética la acción, desde muertes de personajes en su desarrollo hasta elementos de romance en el trío protagonista (en la novela Yehoshua es hermano de Sharon y no novios).

Aquí lo que se contaba en toda la mitad de la novela se cuenta en diez minutos, algo de alabar, pero si la novela peca de no tener variedad de situaciones y aventuras, aquí pasa todo lo contrario: peca de ser todo persecuciones y acción en detrimento de una profundidad en las relaciones de los personajes y en la simplicidad de algunas situaciones.
Aunque en la novela no hubiera mucho de esta profundidad de los personajes si que había algo más que acción, pero no se puede pedir de todo.

Otro detalle bueno de la serie es arreglar o eliminar personajes carentes de fundamento: como el escritor de ciencia ficción, el grupo de “entendidos” que reúne Kaun, el papel protagonista de Kaun que aquí pasa a ser secundario y más coherente. Además se da un papel más lógico e importante a la existencia de los viajes en el tiempo.

El vaticano y el grupo de la santa inquisición toman un papel más importante aquí, siendo los malos y los que pondrán todo tipo de problemas a los protagonistas (cosa que no pasa en la novela).

En definitiva una aceptable adaptación, con un final simple, efectista y no tan bueno como el del libro, pero fiel a sus características intrínsecas. “El enigma de Jerusalén” se centra más en las persecuciones y en la acción, para ser un simple entretenimiento, dejando de lado las incoherencias de la novela (aunque crea otras tantas la serie) y sus tiempos muertos, aunque no profundizando en aspectos de la novela donde se podía sacar partido.
Aún así se deja ver y supone una variante curiosa para los que han leído la novela y una miniserie sin pretensiones y distraída para cualquier persona que no busca más que evadirse un rato.

El director de United 93, Paul Greengrass, nos acerca al momento en que el agente de la CIA, Jason Bourne recupera la memoria y, por fin, puede recuperar su pasado. Desde luego que no se lo van a poner fácil desde una de las organizaciones más poderosas de la Tierra y las persecuciones y los puntos de mira siempre van a estar sobre su cabeza. De la dirección de Greengrass, señalar que mantiene su firma en no filmar con cámara fija, otorgando distintos puntos de vista en las escenas, permitiéndonos acercarnos a los diálogos, aunque tampoco es que fueran gran maravilla.

Sinceramente, de las dos anteriores entregas El caso Bourne y El mito de Bourne sólo he visto la primera y, por entonces, ya me pareció bastante justita y sin nada que reseñar salvo la característica del agente que ha perdido la memoria sin saber muy bien a qué atenerse tras ser perseguido por sus antiguos jefes tras fallar en una misión. En El ultimátum de Bourne, la trama sigue en ello sin profundizar apenas en el personaje. Lo lamentable es que tome prestado pasajes similares a cintas muy conocidas. De este modo, los diálogos finales cuando descubre quién es Bourne en realidad nos recuerdan mucho a la conversación que mantuvo el Coronel Truma con John Rambo en la comisaría de Acorralado.

Desde luego que el oscarizado Matt Damon no será recordado por su actuación en esta película, tampoco es que haya nada que reseñar salvo la cara de palo que luce durante toda ella, pero es que el personaje tampoco da para mucho más salvo repartir bofetadas a diestro y siniestro mientras luce teléfonos móviles de una concreta marca. Pero tampoco nos vamos a poner estrictos en esto de la publicidad encubierta puesto que la CIA utiliza cierto servicio de mapas disponible en Internet para uso y disfrute de cualquier internauta. Para que luego digan que esa compañía no se gasta el dinero en publicidad…

¿La película? Un bostezo. En realidad, yo di tres y eso que deberíamos haber estados clavados en el sillón por la tensión, pero es que no se asomaba en ningún momento. ¿Las persecuciones? En realidad, seguían un esquema muy similar con derivaciones que se resolvían de similar manera. ¿Conclusión? Un blockbuster y que Bourne tiene corazoncito y va perdonando vidas a sus compañeros, aunque oficialmente en la película sólo mata a uno… Por cierto, ¿de qué país era? Da que pensar.

Diríase que esta es la tercera vez que nos encontramos con un Peter Parker envuelto en un mar de dudas. Es como si el tiempo no pasase para él y siempre sus problemas personales el envolviesen sin dejarle ir hacia adelante y por su situación personal para atrás.

Manteniendo el reparto intacto, Sam Raimi nos ofrece esta tercera visión de Spider-Man en la que parece que todo siga igual. Bueno, todo no. Spidey ahora es un hombre de éxito, la ciudad le adora, aunque no cobre un duro; mientras que Peter Parker sigue en la Universidad, maltratado por sus compañeros de clase, y trabaja por un precio irrisorio como colaborador en el Daily Bugle aguantando los gritos de su director J.J. Jameson. Eso sí, ya sale con MJ Watson, el amor de su vida, que comienza una carrera en Broadway, aunque pronto se trunca.

Spider-Man 3 trata de poner en aprietos morales de nuevo a nuestro héroe. Esta vez, descubre que el hombre que dejó morir, véase Spider-Man, no fue el asesino de su tío. La venganza le cubre sin remisión, no permitiéndole ver que el mundo alrededor se desmorona. El Hombre de Arena, increíble la representación de la génesis de este personaje, será sólo el menor de sus males, mientras que los enemigos, empezando por él mismo, comienzan a surgirle por todos los frentes. Veneno, también conocido como Venom, es uno de los máximos atractivos de este film puesto que supone comprobar como el buen chico Parker se convierte en alguien completamente pedante.

Lo cierto es que lo mejor de la película se encuentra al principio de ésta con la aparición del Duende Verde, ahora sin armadura, encarnado por el hijo de Norman Osborn, Harry. La persecución y la batalla de los dos personajes, en este caso Parker no lleva el traje, es francamente impresionante y llena de tensión, puesto que parece que finalmente Spider-Man va a perder la pelea con su amigo.

Sin embargo, nos encontramos con un guión francamente desaprovechado en el que se profundiza poco en los personajes, las actuaciones son bastante justitas siendo reseñable la de James Franco que muestra múltiples aristas de su personaje. Tobey Maguire y Kirsten Dunst siguen dando una representación de sus personajes muy correctas para lo que sería deseable. El resto de personajes llegan a ser completamente superfluos, empezando por el Hombre de Arena, vale es un ladrón, pero simplemente intenta salvar a su hija que tiene una enfermedad crónica, ¿qué nos queda cuando la venganza no puede ser satisfecha?

Tal vez, se debería haber centrado la acción a las peleas con Veneno, antítesis del héroe, y que podría haber dado mucho más juego a esta película que se queda en la corrección, unos espectaculares brincos de la araña y efectos especiales, y un guión que no profundiza en ninguno de los aspectos que debiera. Puede que nos encontremos con la más floja de las tres películas realizada hasta la fecha que sabe a franca decepción.

El taquillazo está asegurado después de que en una de cada cuatro salas de España se exhiba esta nueva entrega de la saga Piratas del Caribe, En el fin del Mundo, que sorprendió a todos con la primera entrega, supo ha bastante poco con la segunda y, en su desenlace, acaba siendo una película larga y un tanto tediosa en la que algunas escenas son sorprendentes, mientras que otras son francamente olvidables.

Porque la troupe de Jack Sparrow se embarca en un nuevo viaje del más difícil todavía, explorando aspectos del capitán que no habían sido explorados dándole mayor profundidad, a pesar de que poco a poco parece más una caricatura que un personaje solvente. Por otro lado, nos encontramos que respecto a la anterior entrega, El Cofre del Hombre Muerto, con final inconcluso donde deriva esta entrega, parece un tanto desconectada y deshilachada. Por otro lado, debemos recordar que al final de la segunda se recupera al personaje de Barbossa, puede que el segundo personaje más carismático después de Sparrow, para el rescate del capitán condenado al mundo de los muertos en el final de su lucha contra el Kraken, mientras que el capitán del navío El Holandés Herrante es degradado de categoría en esta película al convertirse en mero instrumento de la armada británica.

Es esta una película hecha a trozos, como un inmenso collage, inconstante y con demasiados vaivenes, con personajes que se desestructuran según avanza el metraje, que desconcierta y aburre al espectador en la mayoría de sus escenas. Debemos indicar que los mejores momentos pasan por la psicodelia, con la multiplicación de Sparrow en múltiples personalidades que, a pesar de todo, pueden ser atrivuídas a él, mientras espera salir de sí mismo del mundo de los muertos.

El resto de metraje es un videojuego de carácter increíble para conseguir un estupendo fuego artificial que puede fascinar al espectador en un primer momento, pero que le fastidia por lo irreal. Lo cierto es que la presencia residual de Davy Jones y la diosa Calipso, dos personajes que podrían haber dado mucho juego en el hilo argumental, podrían haber elevado la balanza favorecido al producto final.

Sobre los otros dos personajes principales, Will Turner y Elizabeth Swan, poco reseñable salvo que parecen un postiño incómodo que carecen del peso específico que deberían haber poseído. Al menos Swan convertida en "Rey (sic) pirata" y cuyo personaje podría haber ganado enteros, mientras que el de Turner se desvanecía cual azucarillo.

En fin, se estrenó el día 25 de mayo, Día del orgullo friki, y alguno aparecería vestido de pirata como manda la tradición a cada estreno de una nueva película correspondiente a una saga, pero no pasará a la historia como una gran película. Tal vez superior a su antedecesora, pero poco más. A reseñar la correcta interpretación de Keith Richards como el capitán Teague, padre de Sparrow, a pesar de que iba como una cuba en el momento del rodaje. Cosas de invitar a un Rolling Stone comportarse como tal.